8 Must-See-Gemälde Im Musée D'Orsay
Ein Begräbnis bei Ornans (um 1849), Gustave Courbet
Ein Pionier der Mitte Der französische Realismus des 19. Jahrhunderts versuchte Gustave Courbet, die Malerei von dem, was er als elitären Akademismus romantischer Künstler wie Jacques-Louis David, Eugène Delacroix und Jean-Auguste-Dominique Ingres sah, abzulenken. Courbet wollte eine neue, sozial bewusste Ästhetik schaffen, die in der materiellen Welt begründet ist und die nicht idealisierte Bauernklasse monumentalisiert hat. Die imposante Größe von Ein Begräbnis bei Ornans ist eine Absichtserklärung; Zum ersten Mal in der Geschichte standen die Armen im Vordergrund und in der Mitte - ein Privileg, das nur den Reichen und den Klassikern vorbehalten war. Das Gemälde thematisiert auf subtile Weise die zunehmende Säkularisierung Frankreichs zu jener Zeit, mit Geistern, die als grobe Karikaturen mit dem Rücken zu Christus dargestellt wurden, der von den Trauernden scheinbar unbemerkt bleibt.
Gustave Courbet - Ein Begräbnis bei Ornans - Google Art Project 2 | © Google Kunstprojekt / WikiCommons
Pierre-Auguste Renoir (1876), Pierre-Auguste Renoir
Während Courbets Gemälde die Bauernschaft künstlerisch in den Vordergrund rücken wollten, ist Pierre-Auguste Renoirs Bal du Moulin de la Galette eroberte die aufkeimende Café-Kultur und die Bourgeoisie-Klasse, die in den 1870er Jahren durch Paris fegte. Nach den 1850er und 1860er Jahren, als Baron Haussmann die französische Hauptstadt von einer dreckigen, verkrampften mittelalterlichen Stadt in eine moderne Stadt mit breiten Boulevards, Freiflächen und uniformierten Gebäuden umbaute, wurde Paris zu einem urbanen Zentrum für Künstler, Schriftsteller und eine hedonistische Klasse von Reichen Nachtschwärmer. Renoirs Gemälde fängt die Lebendigkeit dieses neuen Paris ein - eine Stadt, in der die Menschen den Tag entspannt genießen und mit ihren Freunden tanzen und trinken können. Diese Arbeit bietet einen atemberaubenden Einblick in die Mode und den Geist der Zeit, eine ikonische Darstellung dieser lebendigen, romantischen Stadt.
Auguste Renoir - Tanz in Le Moulin de la Galette - Musée d'Orsay RF 2739 (abgeleitete Arbeit - AutoContrast edit im LCH - Raum) | | © WikiCommons
Abendessen am Ball (1879), Edgar Degas
Ein sehr kleines Gemälde und keineswegs eines der berühmtesten Werke von Degas im d'Orsay, Dinner At The Ball ist ein erstaunliches und nuanciertes Stück Sozialkommentar. Auf den ersten Blick scheint dieses Bild viel mit Renoirs Bal du Moulin als Bild der Gesellschaft in lebendigen Farben zu tun zu haben, doch scheint es eher eine Warnung zu sein als eine Feier der Bourgeoisie Status Quo. In einer Umgebung von solcher Dekadenz, gefüllt mit Kronleuchtern, teuren Anzügen und kleidern reichen Gold- und Rotdekorationen, werden die Figuren auf ein Niveau der völligen gesichtslosen Anonymität reduziert. Die Unschärfe-Technik ruft nicht nur die Energie des Raumes hervor, sondern verweist auf eine Art von Vergänglichkeit und die Vorstellung, dass in dieser materialistischen Welt nichts stabil ist oder eine eigene Identität hat. Wir müssen vorsichtig sein, sagt Degas, um unsere Individualität nicht gegen ein opulentes und exzessives Leben einzutauschen.
Olympia (1863), Edouard Manet
Eines der umstrittensten Gemälde des Jahrhunderts, Edouard Manets Olympia entsetzte Kritiker bei der ersten Ausstellung im Jahr 1863. Manet forderte die Tradition des klassisch idealisierten Aktes heraus und zwang seine Zuschauer, eine "echte" zeitgenössische Frau zu betrachten. Olympia ist eine Prostituierte, die sich mit ihrer Nacktheit ungeheuer wohl fühlt und stolz auf sie blickt - entgegen der künstlerischen Konvention der Frauen als passiver Schönheitsschauspieler. Manet versuchte nicht nur, sich von Präzedenzfällen zu lösen, sondern hob auch die Ironie der neu entdeckten "Modernisierung" in Paris hervor, in der die High Society sexuelle Befreiung und weibliche Selbstbehauptung immer noch nicht aushalten konnte. Kritiker missbilligten sowohl den thematischen Inhalt des Bildes als auch den Stil des Künstlers, den sie als zu simpel mit einer fehlerhaften Komposition betrachteten.
Bazille's Studio, (1870) Frédéric Bazille
Die Spannungen um traditionelle Geschlechterrollen wurden im Laufe des 19. Jahrhunderts immer präsenter und Frédéric Bazilles Bazilles Studio unterstreicht wirkungsvoll die Diskrepanz zwischen Männern und Frauen in der Kunstwelt Zeit. Das Gemälde zeigt eine Gruppe von Männern - vermutlich die Freunde der Künstler -, die beobachten, sprechen und analysieren, wobei nackte Figuren die einzige weibliche Präsenz in dem Werk darstellen. Diese Musen sind nichts anderes als symbolisch - gefangen in ihren pastoralen häuslichen Szenen, nur um voyeuristisch von den männlichen Intellektuellen im Gemälde objektiviert und bewertet zu werden.
Frédéric Bazille - Bazilles Atelier - Google Art Project | © cAF7KPVs5G2gua am Google Cultural Institute / WikiCommons
Die Kartenspieler (1890-1895), Paul Cézanne
Eines der zahlreichen Gemälde mit Kartenspielern, die Paul Cézanne in den frühen 1890er Jahren produzierte, The Cardplayers eine der beständigsten Arbeiten der Post-Impressionisten. Cézanne versuchte, wie Courbet vor ihm, die Mitglieder der Bauernschaft, die seine Heimatprovinz bevölkerten, zu feiern. Da Cézanne jedoch nicht am Realismus interessiert ist, stellt er seine Figuren mit breiten Pinselstrichen dar, die mit Erdtönen wie Orangen und Brauntönen gesättigt sind, um die Wärme dieser Region und ihrer Bewohner zu vermitteln. Abseits der hektischen Metropole Paris wollte Cézanne mit seiner provinziellen Kunst die Stabilität und Harmonie des archaischen Lebens symbolisieren.
Card Players-Paul Cezanne | © //www.the-athenaeum.org/art/full.php?ID=6371/WikICommons
London, Houses of Parliament (1904), Claude Monet
Während Claude Monet am besten mit Bildern assoziiert wird Paris und die französische Landschaft, Londons Häuser des Parlaments waren das Thema einiger der zwingendsten Arbeiten des Künstlers in seinen späteren Jahren. Als impressionistischer Pionier lehnte Monet die traditionelle Betonung der Genauigkeit in der Kunst ab; vielmehr versuchte er, die Essenz eines Moments einzufangen, wie die Sonne, die durch den Nebel schneidet. Im Wettbewerb mit der im Entstehen begriffenen Technologie der Fotografie war Monet der Meinung, dass Gemälde die Welt so darstellen sollten, wie es keine Kamera jemals könnte. London, Houses of Parliament ist ein brillantes Beispiel für den impressionistischen Stil, den Monet beherrschte die Verwendung von dezenten Rot - und Orangetönen kontrastiert mit dem dunkleren Blau und der schwarzen Silhouette der Parlamentsgebäude, um diese durch den Dunst entstehende Luft zu erzeugen.
Claude Monet 015 | © Vermächtnis von Comte Isaac de Camondo und Musée d'Orsay / WikiCommons
Selbstporträt (1889), Vincent Van Gogh
Vincent Van Goghs ikonenhaftes Selbstporträt ist eins von über 40 Gemälde schuf der Künstler in seiner kurzen Karriere. Nachdem er 1886 nach Paris gezogen war und von den Werken seiner impressionistischen Zeitgenossen gelernt hatte, fusionierte Van Gogh diese Einflüsse mit denen der japanischen Holzschnittkunst wie ukiyo-e zu einem zarten, fließenden Stil. Doch für Van Gogh waren diese Selbstporträts mehr als nur ein Prozess des künstlerischen Experimentierens und der Eigenwerbung - sie waren ein Versuch, das zusammenhängende "Selbst" zu verstehen, das besonders durch seinen langfristigen Kampf mit der manischen Depression verworren war. Seine Krankheit verfolgt hartnäckig seine Arbeit; Der düstere, feuerbehaarte Van Gogh ist mit den fröhlichen Pinselstrichen, die den Hintergrund bilden, nicht gerade stimmig - vielleicht deutet er auf die eigenen Gefühle des Unbehagens und der Entfremdung von seiner Umgebung hin.
Vincent van Gogh - Selbstbildnis - Google Art Project | © 9gFw_1Vou2CkwQ im Google Cultural Institute / WikiCommons
Musée d'Orsay, Rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris +33 1 4049 4814. Täglich von 9.30 bis 18.00 Uhr, Donnerstag bis 21.45 Uhr, Montags geschlossen. 12 €, 9 € ermäßigt, frei unter 18 Jahren und Mitglieder.
