10 Unverzichtbare Werke In Der Londoner Tate Modern

Nach der Eröffnung vor 15 Jahren im Bankside Power Station , Tate Modern in London hat sich schnell zu einer der bedeutendsten Galerien für zeitgenössische Kunst der Welt entwickelt. Es beherbergt regelmäßig rekordverdächtige Ausstellungen, und seine Turbine Hall Installationen ziehen Tausende an die South Bank. Die ständig wechselnde freie Ausstellung moderner Meisterwerke bleibt jedoch die Hauptattraktion, und wir haben zehn ausgewählt, die jeder Kunstliebhaber nicht verpassen sollte.

Marilyn Diptych | © Die Andy Warhol Stiftung für Bildende Kunst / Wikicommons

Marilyn Diptych (1962) von Andy Warhol

Andy Warhol ist in der Welt der Kunst ein Begriff, und dieses Stück über Marilyn Monroe ist unheimlich relevanter im heutigen Bild und Pop-besessene Kultur als jemals zuvor. Made in den Monaten nach dem Tod des Stars, kombiniert Warhol Ideen der Endlichkeit und des Berühmtheitskultes, indem er das gleiche Bild des Starlet mit einem allmählichen Ausblenden wiederholt, das auf die Sterblichkeit hinweist, da sie mit den säurehaltigen Bildern auf der linken Seite kontrastiert wird

Nackte Frau mit Halskette (1968) von Pablo Picasso

Eines der bekanntesten Werke Picassos, dieses farbenfrohe Porträt, das von ungezügelter Energie und Leben erfüllt ist. Es zeigt Picassos zweite Frau, Jacqueline Roque, und ihr rätselhafter Gesichtsausdruck ist voller genug Geheimnis, um mit der Mona Lisa zu konkurrieren - sie ist gleichzeitig verwundbar und trotzig. Die Komplexität ihres Porträts und die chaotische Figur des Körpers als gleichzeitig landschaftliche und natürliche Energien kapseln die turbulente Natur ihrer Ehe.

Nackte Frau mit Halskette | © DACS 2002 / Wikicommons

Bergsee (1938) von Salvador Dalí

Dieses ruhige und bescheidene surrealistische Stück ist vielleicht eines von Dalís nuanciertesten Werken. Die weichen Grautöne und Brauntöne werden zu einem sehr realistischen Effekt verwendet, und der schimmernde Wasserkörper schwebt irgendwo zwischen einem See und dem Körper eines Fisches, was die surrealistische Idee widerspiegelt, mehrere Ebenen der Realität in einem einzigen zu koexistieren Bild. Diese Dualität wird in den öffentlichen und privaten Themen, die im Bild wirken, verdoppelt; der natürliche See ist eine Meditation über den Tod seines Bruders, während das getrennte Telefon auf Verhandlungen zwischen dem damaligen britischen Premierminister Neville Chamberlain und Hitler anspielt.

Die Ungewissheit des Dichters (1913) von Georgio de Chirico

De Chirico verwendet ein intensiv realistischer Stil, um eine Szene zu schaffen, die umso unheimlicher wird, je länger man sie betrachtet. Seine Gemälde sind oft von einer unheimlichen Stille durchdrungen, die sich im Mangel an menschlichen Motiven und der Verwendung kräftiger Blockfarben zeigt. Das Bild verbindet das Altertum der verdrehten Statue und der Arkaden mit dem modernen Dampfschiff am Horizont und den schnell bräunenden Bananen, um einen Raum zu schaffen, in dem mehrere Zeitlichkeiten koexistieren. Von De Chiricos verwunschenen, surrealistischen Stadtplätzen schrieb Paul Eluard: "Diese Plätze ähneln äußeren Plätzen, und doch haben wir sie nie gesehen ... Wir befinden uns in einer immensen, vorher undenkbaren Welt."

"Seagram Murals" (1950er Jahre) ) von Mark Rothko

Ursprünglich beauftragt, Wandgemälde für ein New Yorker Restaurant zu erstellen, gab Rothko den Job auf, da seine Arbeit eine dunklere und besinnlichere Wendung nahm. Michelangelos Laurentinische Bibliothek in Florenz beeinflusste diese Meditationen in Rot, Grau und Braun, als Rothko die klaustrophobische Atmosphäre der Bibliothek nachstellen wollte. Rothko überreichte der Tate die letzte Sammlung, und sie werden, wie er ursprünglich beabsichtigte, in einem geschlossenen, schwach beleuchteten Raum gezeigt, der dem Betrachter erlaubt, ihren mürrischen und meditativen Charakter aufzunehmen.

Blitz mit Hirsch in seinem Glanz (1958-1985 ) von Joseph Beuys

Dieses prachtvolle Installationsstück erobert mit seiner imposanten Größe und Kraft den Raum. Das schwebende Bronze-Dreieck ist die physische Verkörperung eines Blitzschlags und wirft sein Licht und seine Energie auf die Ansammlung von Formen, die es umgeben. Beuys war sowohl Performancekünstler als auch Bildhauer, und dieses Installationsstück prickelt mit der Energie der Performance.

Blitz mit Hirsch in seinem Glanz | © Jennifer Morrow / Flickr

Räumliches Konzept "Waiting" (1960) von Lucio Fontana

Moderne Kunst fordert traditionelle Kunstwerke heraus und zwingt den Betrachter, die Oberfläche zu kratzen und die wahre Natur künstlerischer Repräsentation zu betrachten. Vielleicht geht das nicht einfacher und effektiver als das Raumkonzept "Waiting", das dem Betrachter eine mutig geschnittene Leinwand präsentiert und sie auffordert, über die Natur des Bildes und die Materialität des Bildes nachzudenken

Jazzmen (1961) von Jacques Mahé de la Villeglé

Im Zentrum der Found-Art-Bewegung zeigt Villeglés Werk die Trümmer und Spuren, die die moderne Stadt hinterlassen hat. Villeglé war Teil einer Gruppe von Künstlern, die als "affichistes" bekannt sind, und seine Arbeit befasst sich mit der unermüdlichen kapitalistischen Kultur, die Paris in den 1950er und 1960er Jahren umgab. Dieses Stück besteht aus Fragmenten, die von Reklame- und Reklametafeln quer durch die Stadt gerissen wurden, wobei einerseits der Werbestrom der Einwohner der Stadt und andererseits die rücksichtslose, energische Kreation des modernen Künstlers eingefangen wurde.

Tate Modern | © Caetano Candal / Flickr

Blind (2010) von Artur Zmijewski

Diese bewegende Videoinstallation dokumentiert Szenen aus einer Künstlerwerkstatt, in der sehbehinderte Menschen aufgefordert werden, ein Porträt, eine Landschaft und ein Tier zu malen. Zmijewski ist dafür bekannt, schwierige Themen zu behandeln, und dies ist eines seiner affektivsten Stücke, die die Welt aus der Perspektive von Menschen mit Behinderungen untersuchen. Jedes gemalte Bild hat ein sehr persönliches und taktiles Element, aber im Hintergrund lauert immer die Erkenntnis, dass wir jedes Werk sehen können, während seine Schöpfer es nicht können.

Tiny Deaths (1993) von Bill Viola

Es kommt nicht oft vor dass du an einem geschäftigen Samstagnachmittag ganz in eine Arbeit in einem Galerieraum eintauchen wirst, aber Tiny Deaths hat die Macht, genau das zu tun. Bill Viola ist seit über 40 Jahren einer der wichtigsten Videokünstler, und mit Tiny Deaths fordert er den Betrachter auf, in die Dunkelheit zu gehen, in der drei Videobilder so gut wie wahrnehmbar sind. Umhüllt von der Dunkelheit werden die Sinne erhöht und die unheimliche Musik und die kaum vorhandenen Bilder werden zu einem Crescendo aus Licht und Bild, das uns auffordert, den Raum zwischen unserer inneren und äußeren Welt zu reflektieren.