Die 10 Unentbehrlichen Werke In Der Tate Britain

Autor: Bonnie Summers | Zuletzt Aktualisiert: Januar 2024

Tate Britain erzählt dem einzigartige Geschichte von Großbritanniens unglaublichen Beitrag zur Kunst, sei es die romantischen Gemälde der Präraffaeliten oder zeitgenössische Kritik unserer Gesellschaft. Hier ist unser Führer zu den Höhepunkten, die diese Galerie zu Hause nennen.

Ophelia - Sir John Everett Millais, 1851-2

Millais eindringliche Darstellung dieser zum Scheitern verurteilten Shakespeare-Heldin ist nichts weniger als ikonenhaft. Es fängt den Moment von Hamlet ein, als Ophelia, von der Tatsache, dass ihr Liebhaber ihren Vater ermordet hat, verrückt wird, sich in einem Strom ertränkt. Sie ist umgeben von einer Reihe von symbolischen Blumen, mit Veilchen, die Keuschheit, Mohn Tod und Weiden, Nesseln und Gänseblümchen Unschuld bedeuten. Als Mitglied der Pre-Raphaelite Brotherhood war Millais der Beobachtung der natürlichen Schönheit in der Welt um uns herum gewidmet, aber auch in der Gestalt der schönen Frauen. Elizabeth Siddal (die später Rossetti heiratete) modellierte für das Gemälde. Sie musste über einen Zeitraum von vier Monaten in einem Wasserbad liegen. Die Erfahrung führte dazu, dass sie sich so einer schweren Erkältung unterzog, dass ihr Vater drohte zu klagen, es sei denn, die Künstlerin bezahlte ihre Arztrechnungen.

Sir John Everett Millais, Ophelia, 1851-2 | Courtesy Tate

Drapierte sitzende Frau - Henry Moore, 1957-8

Mit ihrer schönen Draperie erinnert diese Skulptur an die antike Antike, während sie auch Moores spezifischen Strang der Moderne durchsetzt. Es ist einer von mehreren Abgüssen, die eine Figur mit verzerrten Proportionen aufweisen, mit einem zu breiten Torso und einem blockartigen Kopf. Die ungewöhnliche, eingefrorene Pose war eine Übung im Formalismus und hat mehr als eine Anspielung auf Elgin Marbles. Beide teilen ein Gefühl von lebensähnlicher Bewegung, als wären sie in der Zeit eingefroren.

Stuhl - Allen Jones, 1969

Die umstrittene "Möbel" -Serie des britischen Popkünstlers hat seit der ersten Ausstellung der drei Stücke im Jahr 1970 für Empörung über die Fetischisierung des weiblichen Körpers gesorgt. Zusammen mit Chair, Die Künstlerin produzierte einen Tisch und einen Hutständer und präsentierte in ähnlichen erotischen Posen voluminöse, vollbusige Mannequins. Ersteres ist am berüchtigtsten geworden, weil es während Tates Ausstellung Vierzig Jahre Moderne Kunst mit Farbabstreifern zerstört wurde. Die Skulptur hat heute noch die Fähigkeit zu schockieren. Manche behaupten, dass sie weibliche Unterdrückung symbolisiert, während andere sie als wichtiges Objekt im Kanon der Kunstgeschichte ansehen.

Allen Jones, Chair, 1969 | Tate © Allen Jones

Der Teich - LS Lowry, 1950

Der Name LS Lowry steht für industrielle britische Szenen, die mit seinen charakteristischen "Strichmännchen" bevölkert sind. Obwohl seine Gemälde im Realismus verwurzelt waren und die Lebensgemeinschaften in den von Fabriken dominierten Städten des Nordens abbildeten, zog er es vor, direkt auf eine leere Leinwand zu arbeiten und dabei Motive zu entwerfen. Der Künstler beschrieb das Malen dieses Werkes: "Ich hatte nicht die geringste Ahnung von dem, was ich in die Leinwand bringen würde, als ich das Bild begann, aber es kam schließlich heraus, wie du es siehst. So arbeite ich am liebsten. "

L S Lowry, Der Teich, 1950 | Tate © Der Nachlass von LS Lowry

Hope - George Frederic Watts, 1886

Trotz seines optimistischen Titels ist dieses Gemälde von Ambiguität durchsetzt. Die Gestalt mit verbundenen Augen erscheint verloren oder erschöpft und hält eine Leier, in der bis auf eine einzige Saite gerissen wurde. Watts war dafür bekannt, phantasmagorische Werke zu schaffen, die eine bestimmte Zeit oder einen bestimmten Ort transzendierten, und hier erscheint diese isolierte Frau auf einem ununterscheidbaren Globus. Es ist eines von zwei allegorischen Stücken, die vom Künstler und seinem Assistenten geschaffen wurden, aber diese zweite Version wurde wegen des wunderbaren Gesichtsausdruckes der Frau und wegen der Entfernung eines kleinen Sterns, der die Symbolik des Werkes zu schwer machte, als überlegen angesehen. übergeben.

George Frederic Watts, Hoffnung, 1886 | Tate. Präsentiert von George Frederic Watts 1897

Sitzende Figur - Francis Bacon, 1961

Bacon interessierte nicht nur die dunkelsten Stufen des Geistes, sondern auch den Bildraum. Als solcher verwendete er oft ein Rahmengerät, das nicht nur das Motiv isoliert, sondern auch den Betrachter dazu einlädt, über das Reich der Figuration hinauszuschauen. Die Gesichtszüge dieses verdrehten, anonymen Modells sind stark übermalt und führen zu einem facettenreichen unzusammenhängenden Gesicht. Diese Behandlung wurde in dieser Zeit zum Markenzeichen des Künstlers und verweist auf die brüchige Fragilität der Menschheit.

Francis Bacon, Sitzende Figur, 1961. Tate, Präsentiert von J. Sainsbury Ltd 1961 | © Estate of Francis Bacon

Der Engel in der Sonne stehend - JMW Turner, 1846

Als Turner in die letzten Jahre seines Lebens kam, beschäftigte er sich mit Todesgedanken und biblischen Geschichten über gerechte Vergeltung. Dieses Gemälde verbindet seine glorreiche Meisterschaft von Licht und Farbe, die in den Augen seiner Kritiker zu heftigen Kontroversen geführt hat. Viele andere königliche Akademiker hielten seine neue Fluidität für grob oder vulgär, aber Turner widmete sich dieser neuen Art, die Welt zu sehen. In dieser Arbeit führt der Erzengel Michael sein Schwert, bereit, die Sünder unten zu schlagen. Der prächtige, wirbelnde Himmel scheint in Flammen zu stehen, und Turner benutzt die leichteste Berührung seines Pinsels, um auf die verängstigte Menge zu hören, die versucht, aus dem unausweichlichen Chaos zu fliehen.

JMW Turner, Der Engel, der in der Sonne steht, stellte 1846 | Courtesy Tate

Ein größeres Spritzen - David Hockney, 1967

Als Hockney ein Jahr nach seinem Abschluss am Royal College of Art in Kalifornien eintraf, war er überrascht, dass jeder ein Schwimmbad hatte - ein erstaunliches Konzept für eine junger Mann gewöhnte sich an kühles, strenges Leben in Großbritannien. Pools wurden schnell zu einem wiederkehrenden Thema für den Künstler, da er fasziniert war, Wasser darzustellen. Dieses Gemälde ist das größte von drei 'Splash'-Werken, die alle die Architektur der 1960er Jahre mit dramatischen, kräftigen Farben darstellen. Das Werk ist derzeit im Pariser Pompidou ausgestellt und wird auch das Metropolitan Museum of Art besichtigen, bevor es nach Hause zurückkehrt.

Die Rettung der Andromeda - Henry C Fehr, 1893

Diese dramatische Skulptur zeigt die griechische Legende im Moment, in dem Perseus Andromeda davor bewahrt, von einem Seeungeheuer verschlungen zu werden. Er hält den abgetrennten Kopf der Medusa, der die Macht hat, jede Kreatur mit ihrem Blick zu Stein zu machen, sowie einen beträchtlichen Dolch. Die ungewöhnliche Komposition balanciert jede der drei Figuren übereinander, während die arme Andromeda unter der Schlacht an einen Felsen gekettet ist. Aufgrund der Größe der Skulptur wurde sie 1911 dauerhaft nach außen verlegt, sehr zur Bestürzung des Künstlers.

'Die Rettung der Andromeda', 1893, Henry C Fehr | Präsentiert von den Treuhändern des Chantrey-Vermächtnisses 1894

Keine Frau, kein Schrei - Chris Ofili, 1998

Dieses riesige Gemälde ist eine Hommage an die Mutter von Stephen Lawrence, der 1993 bei einem rassistischen Anschlag ermordet wurde; Es gewann fünf Jahre später den Turner Prize. Doreen Lawrences weinendes Profil steht vor einem collagierten Hintergrund, der aus zerschnittenen Reproduktionen eines Bridget-Riley-Gemäldes besteht, und in jedem ihrer großen Tränen ist ein Bild ihres Sohnes enthalten. Die Leinwand ruht auf zwei großen Stücken Elefantenkot, ein Material, das Ofili in seinen frühen Werken ausgiebig verwendete. Das Stück erinnert nicht nur an ein bestimmtes, erschreckendes Ereignis, sondern verweist auch auf universelle Trauer.