10 Zeitgenössische Argentinische Künstler
Leandro Erlich: Dalston House Installationsbilder / | © Gar Powell-Evans, 2013. Mit freundlicher Genehmigung der Barbican Art Gallery.
Leandro Elrich
Scheinbar über Nacht verwandelte sich ein leeres Grundstück in der Londoner Ashwin Street in eine nüchterne viktorianische Fassade, die an die Reihenhäuser erinnerte vor aber invertiert, und reflektiert auf einen massiven Spiegel - die Besucher noch ratloser, als verspielte Kinder seine Wände skaliert und Akrobaten tückische Tricks durchgeführt. Beyond Barbican's Dalston House zeigt nur eine Facette von Leandro Elrichs wunderlichem, illusorischem Genie und hat Londons große und kleine Kinder, die sich für Kunst begeistern. In der Vergangenheit hat Elrich die Besucher unter dem flackernden Wasser seines trompe l'oeil Swimming Pool wandern lassen, ohne nass zu werden, während er in La Torre (heute Teil des Reina Sofia Museums in Madrid) war Sammlung) lieferte er ihnen ein ebenso verwirrendes, schwindelerregendes Ambiente. Elrichs Arbeit fordert den kritischen Verstand heraus, indem er unsere bisher kalkulierte, unerfreuliche Routine zerschmettert, während er den falschen elitären Status des Kolonialismus und der Bourgeoisie verspottet. In seinen Händen wird optische Illusion zu einer greifbaren dreidimensionalen Realität, an der sich Kunst- (und Spielplatz-) Liebhaber aktiv beteiligen.
Turm zu Babel / | © Facug / Wiki Commons
Marta Minujín
Minujín (geb. 1943), oft auch Argentinier Andy Warhol genannt, ist eine Pop Art Königin und Provokateurin. Mit einer mutigen, überlebensgroßen öffentlichen Person, die den Weg für Lady Gaga ebnete, erfindet sie sich seit einem halben Jahrhundert ständig neu. Indem sie Kunst aus Museen herausholte und sie mit neuen, ausgeklügelten Dynamiken versorgte, kreierte sie eine Reihe von installationsbasierten Ereignissen, wie das Minuphone , wo man durch Eingeben einer Telefonzelle und Wählen einer Nummer eine Serie von Töne und bunte Displays auf der Glasscheibe. Sie hat Venus de Milo in Käse und den Buenos Aires Obelisk in Pan Dulce nachgebildet. Die vielbeachtete Kollaboration mit Warhol, einige Jahre vor seinem Tod, wurde von der argentinischen Schuldenkrise inspiriert. In jüngerer Zeit markierte der Turm von Babel , eine 7-stöckige Bibliothek mit mehr als 30.000 Büchern, Buenos Aires als Weltbuchhauptstadt des Jahres 2011. Ein eloquenter Beweis, wenn überhaupt, von Minujíns unermesslicher kreativer Phantasie. León Ferrari Installation / | © Tecnópolis Argentinien León Ferrari Wenn es um Autodidakten von León Ferrari (geb. 1920) geht, wäre es nicht unwahrscheinlich, die Jungfrau Maria in einem Mixer zu finden und Jesus auf einer Käsereibe balancieren zu lassen US-Kampfflugzeug, wie das in
La Civilización Occidental y Cristiana
(
Westlich-Christliche Zivilisation , 1965) in einem unwahrscheinlichen Protest gegen den Vietnamkrieg. Christentum und Macht wechseln sich oft im Hintergrund seiner zum Nachdenken anregenden, schockierenden Kunstwerke ab, die aus Zement, Keramik, Holz, Poesie oder Zeitungsausschnitten bestehen. Es war der mutige Anspruch des Künstlers auf staatliche Repression, der ihn zwang, während der letzten argentinischen Diktatur nach Brasilien zu ziehen. Ferrari war der Gewinner des Goldenen Löwen auf der Biennale in Venedig 2007, während andere Preise Argentina 2012 Diamond Konex Award für Bildende Kunst, die ihn zum wichtigsten Künstler des letzten Jahrzehnts erklärte. Nadie Olvide Nada / | © Guillermo Kuitca Guillermo Kuitca Vom abstrakten Expressionismus bis hin zu Straßenkarten enthüllt Kuitca (geb. 1961) meisterhaft schwer fassbare politische und psychologische Spannungen auf seinen vielbeachteten Leinwänden. Ausgefallene architektonische Entwürfe, Sitzpläne und Karussellkarussells evozieren Themen wie Migration und Verschwinden, die prekär zwischen Privatem, Öffentlichem und Inländischem balancieren. Die deutsche Choreographin extraordinaire Pina Bausch und das Avantgarde-Theater in seiner Gesamtheit waren wichtige Einflüsse, zusammen mit Denis Diderots philosophischen Schriften (und zwar in seinem 2002 erschienenen Werk
)L'Encyclopédie
), Literatur und Popmusik. Seine berühmten Karten liefern dem Betrachter poetische Berichte über Erinnerung und Verlust; ein Gefühl der Verlagerung eher als Richtung verursachen. Eine Reihe von Collagen und manipulierten Digitaldrucken intensivieren diese Idee der Abstraktion und das persönliche Rätsel des Künstlers. Kuitcas Arbeiten finden sich in so renommierten Sammlungen wie der Londoner Tate Gallery und dem New Yorker Metropolitan Museum of Art, die seinen internationalen Star-Status bestätigen.
Piscina von Jorge Macchi / | © Claudia Regina Jorge Macchi Jorge Macchi (geb. 1963) versucht, das Banale zu fokussieren und zu entlarven und ihm durch eine verdrehte Sichtweise und übergreifende Assoziationen Dimension und Substanz zu geben. Synchronisiertes Licht und Sound sind für seine Arbeit ebenso wichtig wie die wiederkehrenden Themen von Zeit und Raum. Zerstörung und Zerstörung zwischen Objekten bilden unerwartete Muster und unterliegen einer Reflexion. Im Jahr 2004 hat er unter der Leitung von Edgarardo Rudnitzky (Sounds) und Maria Negroni einen alternativen Fremdenführer mit 8 Routen erstellt, die auf den Linien eines zerbrochenen Glases auf der Karte der Stadt basieren (Texte).
Cloud Cities Installation / | © Neil H
Tomás Saraceno
Gigantische Spinnennetze, Seifenblasen aus Kunststoff und verträumte Wolkenformationen sind Werkzeuge in den Händen von Tomás Saraceno, einem Künstler, der sich der Entwicklung alternativer Realitäten widmet und unsere Beziehung zur umgebenden Natur neu erfindet. Mit seinen partizipatorischen Installationen fördert er unwahrscheinliche Formen der Kommunikation, eine Schwerelosigkeit und eine Universalität, die Menschen die Chance gibt, sich mit ihrer Präsenz zu formen. Im Jahr 2012 behandelte er die New Yorker mit exquisiten Spaziergängen rund um Cloud City (Teil der gleichnamigen fortlaufenden Serie), einer Konstellation großer, miteinander verbundener Module in nichtlinearen Konfigurationen, die den Dachgarten des Metropolitan Museum of Art völlig neu gestalteten . Ausgebildet als Architekt, entwickelte er seine bisher monumentalste Installation in Zusammenarbeit mit Ingenieuren, Architekten und Arachnologen, die Leichtigkeit und Funktionalität, Schönheit und Kraft wunderbar miteinander verwoben.
SINFONIA INCONCLUSA, Eva, Los Sueños, Videoinstallation (Detail), 2012 / | © Nicola Costantino
Nicola Constantino
Constantino, der den argentinischen Pavillon auf der 55. Biennale von Venedig vertrat, legte ihre notorisch bizarren, kontroversen Themen zugunsten einer vielschichtigen künstlerischen Hommage an die prominenteste politische Frauengestalt des Landes, Eva Perón, ab . Es war jedoch nicht immer so. Zu den multimedialen Arbeiten des Künstlers gehören unter anderem Savon de Corps (
Körperseife
), wo sie drei Prozent Fett aus einer Fettabsaugung am eigenen Körper und den störend eingängigen Körper verwendete Motto: "Nimm ein Bad mit mir". Ihre berühmte Grafik
Männliche Nippel Korsett erweckte die Aufmerksamkeit des New Yorker MoMA, das es in seine Sammlung aufgenommen hat. Constantinos Haute Couture-Wissen und -Erfahrung zusammen mit ihrer Mutter fand zuerst ein kreatives Ventil in Kleidern und üppigen Mänteln aus menschlicher Silikonhaut und menschlichen Haarhälsen - Modeerforschungen, die sich allmählich zu Peletería Humana ( Human Furryry) entwickelten ), ein Schaufenster mit zwanzig Mannequins in ihren Entwürfen. Sie waren von bester Qualität, aber sie würden kaum Leute wie Eva Perón anziehen. La TV Que Nos Mira Gemälde von Louis Felipe Noé / | © Adam Pablo Martin / Flickr Luis Felipe Noé Noé (geb. 1933), Maler, Schriftsteller und Intellektueller, ist eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der argentinischen Kunst seit den 60er Jahren und hat eine lange und turbulente Karriere hinter sich das geht Hand in Hand mit der gesellschaftspolitischen Instabilität und Umwälzung des Landes. In Anlehnung an "das Chaos als Wert" war er Pionier der Bewegung von Otra Figuración mit drei anderen argentinischen Künstlern, die sich spontanen, anarchischen, politisch aufgeladenen expressionistischen Gemälden und Zeichnungen widmeten - eine gewalttätige und farbenfrohe Spiegelung des damaligen politischen Zustands des Landes . Ein Guggenheim-Stipendium brachte ihn später nach New York, wo er seine Kunst zu immer größeren Extremen trieb und seine Theorien über das Chaos in veröffentlichteAntiiestética (1965). Obwohl Noé immer wieder in seine Heimat Buenos Aires zurückkehrte, brachten ihn andere instrumentale Ereignisse in der Geschichte des Landes, wie der Staatsstreich von 1976, für mehr als ein Jahrzehnt ins Exil nach Paris. Neben einer Reihe von Einzel- und Gruppenausstellungen wurde sein Beitrag zur argentinischen Kunstszene 2002 mit dem Diamond Konex Award für Bildende Kunst als bedeutendster Künstler des Jahrzehnts ausgezeichnet.
Relief Agua Comunicante detail / / © Gyula Kosice
Gyula Kosice
Der in der Slowakei geborene Kosice (ursprünglich Fernando Fallik, geb. 1924) zog schon in jungen Jahren nach Argentinien, wo er ein revolutionäres Werk mit dem Schwerpunkt kinetische und luminale Kunst schuf ästhetisch beeindruckende Hydrowalls, Hydrospatial Tours und leuchtende Reliefs, unter anderem. Er war der erste auf internationaler Ebene, der in seinen monumentalen Skulpturen und Objekten Wasser und Neongas verkörpert. Er gilt als einer der Vorreiter der abstrakten und nicht figurativen Kunst Lateinamerikas. Im Jahr 1946 initiierte er die internationale Madí Art Movement (oder MADI), die alles von bildender Kunst bis hin zu Literatur und Tanz umfasste und spielerisch die physischen Realitäten jedes Mediums (nämlich die Verwendung unregelmäßig geformter Leinwände) durchdrang. Der Künstler zählt Dutzende von Einzelausstellungen und Hunderte von Gruppenausstellungen in Europa und Amerika - und Madí, wie Kosice selbst, ist auch heute noch aktiv. In der Tat kann die Öffentlichkeit einen Einblick in sein parallel leuchtendes, hydrokinetisches Universum bekommen, indem sie sich einer Tour in seinem freien Werkstattmuseum anschließt, in der Alltagswirklichkeit, Kunst und Leben in den Worten des Künstlers "in ständiger Bewegung" sind. Asado de Mendiolaza / | © Marcos López Marcos López
Marcos López 'dezidiert theatralische fotografische Aufnahmen bieten überraschend ehrliche Einblicke in das argentinische Leben. Sein heller, gesättigter Kitsch verbirgt sich hinter seiner Künstlichkeit gequälten, eindringlichen Momenten des lateinamerikanischen Alltäglichen - und dem Künstler selbst. Er zitierte den Schriftsteller Gabriel Garcia Marquez (einer seiner Lehrer an der Internationalen Film- und Fernsehschule von San Antonio de Los Banos, Kuba) und den Maler Diego Rivera unter seinen vielfältigen Einflüssen und entwickelte einen jetzt sofort erkennbaren, unheilvollen Stil der politischen Fotografie Seine Ansichten über die Unglücke und die Unruhen seines Landes (nämlich unter der Präsidentschaft von Carlos Menem in den neunziger Jahren) verstecken sich sorgfältig hinter einem digital retuschierten Lächeln. In seinem Buch
Pop Latino
(Teil davon ist auch die Serie
Buenos Aires, Die Stadt der Freude
) porträtiert er alles von einheimischen Taxifahrern bis zum Criollo - Karneval - aber nichts Vergleichbares ikonisch
Asado en Mendiolaza , Lopez 'unorthodoxes, dekadentes Pop-Meisterwerk, das an Da Vincis Das letzte Abendmahl erinnert.
