10 Große Künstler Aus Neuseeland
Bill Hammond
Nachdem Bill Hammond mehrere Jahre als Spielzeug gearbeitet hat, hat er ein Gefühl von Fantasie und eine Freude am Malen, die öfter gesehen wird in Kindern. Das soll nicht heißen, dass Hammonds Arbeit überhaupt kindlich ist, sondern eine revolutionäre Gegenüberstellung von Ehrlichkeit und Vorstellungskraft. Hammonds Werke befassen sich mit Umweltthemen, insbesondere der bedrohten Vogelwelt seiner Heimat Neuseeland. Der Fall von Ikarus zeigt bunte anthropomorphe Vögel, die ornithologischen Studien und Figuren von Maori-Volksmärchen ähneln. Sie setzen auf orientalische Zweige, die auf einen strömenden Hintergrund aus reinem grünlichem Krickenteppich projizieren, der Hammond Freude in der Farbe und seine Liebe zur Farbe zeigt.
Fall of Icarus | © Bill Hammond / Mit freundlicher Genehmigung von Seattle Central
David McCracken
Das Werk von David McCracken hat den universellen Reiz des Märchens. Seine geschweißte Aluminiumtreppe mit dem Titel Diminish and Ascend (Bondi, Australien) ist seine eigene Treppe zum Himmel. Große Entfernungen, das Leben nach dem Tod und eine Brücke zwischen den Reichen zu erschüttern, Vermindern und aufsteigen ist atemberaubend schön. Ein Großteil von David McCrackens Arbeit beinhaltet die Neuvisualisierung alltäglicher Objekte als etwas Verstärktes und Einprägsames. Es ist unmöglich, McCrackens Arbeit zu sehen und sich nicht damit zu beschäftigen. Ob Sie es lieben oder hassen, seine Skulpturen beherrschen ihren Raum, aber sie fungieren auch als Spiegel (manchmal wörtlich), die die Wahrnehmung des Betrachters widerspiegeln. Vielleicht ist McCracken deswegen so beliebt - seine Werke sprechen mit niemandem, noch mit allen; in ihrer eigenen Umgebung aktiv und passiv zu sein; Sie haben ein Eigenleben, aber sie sind immer da und warten darauf, gesehen zu werden.
Vermindere und steig 'auf © Leighton Wallace / Mit freundlicher Genehmigung von ThisisMarvelous
John Badcock
John Badcock wurde zu einer immens künstlerischen Familie geboren und es ist keine Überraschung, dass John Badcock so erfolgreich war wie er. Da er vorwiegend in Öl an Bord arbeitet, kann seine Verwendung von Farbe nur als skulptural beschrieben werden. In dicken Strukturschichten aufgetragen, fängt die Farbe das Wesen jeder Person oder jedes Objekts und deren Bewegung ein. Figur in Landscape schafft es, gleichzeitig heiter und konfrontativ zu sein. Die ruhigen sandigen Beigetöne der Landschaft in perfekter Harmonie mit dem rosa gefärbten Körper, aber der Mangel an Gesicht schafft ein intensives Gefühl der Unruhe. Du kannst nicht anders, als in den leeren menschlichen Rahmen zu schauen, es ist faszinierend und verstörend, wie nur die menschliche Form sein kann. John Badcock versteht Farbe und Menschen sicher und nutzt sowohl Medium als auch Betrachter zu erstaunlichen Effekten in seinen Kunstwerken.
Figur in Landscape | © John Badcock / Mit freundlicher Genehmigung von Pierre Peeters Galerie
Darryn George
Von der Herkunft des Ngapuhi (Maori-Stamm in Nord-Neuseeland) ist Darryn Georges Kunst eine Verbindung zu seinem Erbe durch seine Farbpalette und traditionelle Maori-Symbole. In seiner bisher größten Errungenschaft wurde seine Arbeit in die Personal Structures-Ausstellung der Biennale in Venedig 2013 aufgenommen. Der Folder Room verwandelt einen Raum, der auf den gruseligen Aktenschränken des Büros basiert, in einen "Wharenui-ähnlichen" Raum der Kontemplation und Reflexion. "Die Ordner stellten ursprünglich ein persönlicheres Thema dar: den Verlust von Menschenleben beim Erdbeben in Christchurch im Jahr 2011, aber Darryn George war erfreut, dass sie in einer internationalen Ausstellung andere Konnotationen von Wissen, Geschichte und Information aufnahmen. Seine begrenzte Farbpalette aus roten, weißen und schwarzen Rhythmen erinnert an sein Maori - Erbe, während die strukturellen Qualitäten und die Abstraktion dem Betrachter Zugang zu einer immateriellen Welt bieten.
The Folder Room | © Darryn George / Mit freundlicher Genehmigung von Urbis Magazin
Kushana Bush
Als einer der jüngsten Künstler auf dieser Liste hat Kushana Bush bereits internationales Renommee erlangt. Von ihrer Heimatstadt Dunedin nach Edinburgh konnte ihre Kunst nicht über eine größere Entfernung geliebt werden. Bushs Figuren sind locker und dynamisch, während die komplizierten Muster im Kontrast zu den feinen Farbvariationen in ihrer Arbeit stehen. Wenn wir Fool's End betrachten, wird es klarer, warum sie so eine schottische Anhängerschaft haben könnte. Die grafische Schichtung und die stilisierte Linie erinnern an Stanley Spencer und in jüngerer Zeit an Alasdair Grey. Als letzte Arbeit in ihrer Letztes Lied in Stille Serie ist Fool's End ein besonders passender Abschluss für die Sozialkommentare über die Frivolität der anderen Werke.
Fool's End | © Kushana Bush / Mit freundlicher Genehmigung von Sydney Kunstgalerien und Gemeinschaft
Peter Robinson
Obwohl Peter Robinson mit einer Vielzahl von Medien arbeitet, sind seine Styroporskulpturen einige seiner berühmtesten Werke. Promethean Dreams nimmt die Form von grob behauenen Styroporblöcken, die übereinander gestapelt und in zarten Styroporketten drapiert sind. Robinson nutzt das unorthodoxe Medium zu seiner besten Seite und zeigt seine Zartheit und eisbergartige Struktur. Robinsons Skulpturen sind vielleicht die einzigen Beispiele für Styropor, die einen Raum dominieren. Mit zwei Metern Höhe ist Promethean Dreams ebenso faszinierend wie ungewöhnlich. Die Skulptur ist abstrakt, aber für mich ähnelt sie einer schmelzenden glazialen Form mit Konnotationen des Klimawandels.
Jason Greig
Der Grafiker Jason Greig hat eine morbide Faszination, die man bei seinen Zeitgenossen selten sieht. Seine Arbeiten erinnern an Blake und Goya mit ihren gotischen Konnotationen. Wie ein Betrachter bemerkte, "gibt es nicht viel Sonnenschein" in Griegs Kunst, aber gerade das macht sie so verlockend. Seine schlanken, in jenseitiges Licht getauchten Gestalten sind Traumtiere; halb erinnert und nicht ganz da, ihre Welt ist nicht unsere eigene. Während ihr Thema beunruhigend ist, gibt es etwas beruhigendes über diese Arbeiten. Diese oft gequälten, traurigen Wesen sind in ihren gerahmten Welten eingeschlossen, sie können uns nicht berühren, noch wir sie, gefangen in ihrem traurigen und schönen Licht.
Judy Millar
"Was macht die Realität aus? Ist die Realität nur ein endloser Strom visueller Eindrücke? Kann es sein, dass diese Eindrücke nur in unserem Kopf existieren? Und haben wir alle unsere eigene, rein persönliche Sicht der Wirklichkeit? "Die philosophischen Anliegen der Künstlerin Judy Millar stehen im Mittelpunkt ihrer Arbeit. Millars Arbeiten sind in der Regel sehr umfangreich, sie füllen einen Raum und fesseln den Betrachter in ihren Farben und Formen. Der Regenbogen-Loop ist wie ein riesiger Pop-Art-Bleistiftanstrich. Der Aufruhr der reichen Juwelenfarbe inmitten des dicken Schwarzen und des kahlen Weiß verstärkt die Arbeit, wie nur Millar weiß, wie. Eine Arbeit dieser Größe kann nicht helfen, aber Atem holen. Judy Millar ist die Königin der Impakt-Installation.
Lisa Black
Lisa Blacks Tierpräparate und Skelette sind eine Betrachtung von Leben, Tod und vergänglicher Schönheit. Ihre Arbeiten haben eine Ausstrahlung von Richard Brautigens Machines of Loving Grace mit ihren mechanisch modifizierten Tieren, die Theorien der vulgären Technologie und der heiligen Natur herausfordern. Fixed Fawn suggeriert provozierend, dass die Natur nicht perfekt / gebrochen ist und durch die Anwendung von Technologie behoben werden kann. Schwarz wählt jedoch keine modernen Bauteile, sondern antike Metallteile aus der Zeit der industriellen Revolution. Die Integration dieser sorgfältig ausgewählten Objekte verleiht ihnen eine Steampunk-Luft, aber auch eine obskure Ästhetik, die unsere Wahrnehmung von Kunst in Frage stellt.
Fixed Fawn | © Lisa Black / Mit freundlicher Genehmigung von hipinion
John Walsh
Seine unverwechselbare Palette aus Türkis und Türkis pulsiert mit Leben und Magie in seinen gemalten Welten. Es ist keine Überraschung, dass er als Künstler in Anbetracht der universellen Menschlichkeit seiner Kunst so gut etabliert ist. Das Ende hält Themen der Einsamkeit, der Traurigkeit und der Kontemplation in sorgsamem Maße zwischen Leichtigkeit und Dunkelheit fest. Die atmosphärische Qualität seiner Malerei ist atemberaubend. Er zeigt ein Licht, das nicht von unserer Welt ist, sondern wie eine griechische Transluzenz und lauwarme Feuchtigkeit, die das Auge und die Fantasie einfängt. Ein sublunares Licht tanzt über die Oberflächen - weiche, geschmeidige Haut, flüstert herabfallendes Wasser - und macht eine Arbeit, die sowohl leise als auch ohrenbetäubend ist.
