Top 10 Cleverste Satirische Kunstwerke
Banksy in Cheltenham | © Kathryn Yengel / Flickr
Banksy, Spy Booth, 2014
Dismaland arbeitet im großen Stil, und viele Kritiker haben vorgeschlagen, dass es flach wird. Banksy ist bissig und witzig am besten im kleineren Maßstab, wie zum Beispiel sein 2014 in Cheltenham bekanntes Graffiti namens Spy Booth. Im Jahr 2013 begannen die Edward-Snowden-Enthüllungen über das Überwachungsniveau westlicher Geheimdienste. Banksys Antwort bestand darin, drei Agenten mit Abhörgeräten an die Wand einer Telefonzelle an der Fairfield Road 159 in Cheltenham zu malen, drei Meilen von GCHQ, der Hauptstation der britischen Geheimdienste. Seit dem Aufstieg wurde das Graffiti zerstört und Londoner Galerien haben versucht, es zu kaufen. Und wie es bei einem denkmalgeschützten Gebäude gemacht wurde, musste der Gemeinderat eine rückwirkende Baugenehmigung erteilen, damit Spy Booth an Ort und Stelle bleiben kann.
© The National Gallery, London
William Hogarth, Hochzeit à la mode, 1743-5
Hogarth war der Meister der satirischen Malerei. In den 1730er Jahren war es die Harlot's Progress und Rake's Progress, die die Vorlage für den Story-Zyklus, der in Unschuld begann und endete in Auflösung und Korruption. Marriage à-la-mode hängt in der National Gallery in London und wurde schlecht aufgenommen, als es zum ersten Mal fertiggestellt wurde. Heute gilt es als eine der schönsten Satiren Hogarths. In sechs Leinwänden führt er uns durch die Heuchelei einer Ehe der Oberschicht, beginnend mit dem Arrangement für den Sohn von Earl Squanderfield, um die unwillige Tochter eines geizigen Kaufmanns zu heiraten. Die Geschichte geht durch unbezahlte Rechnungen, durch das Cuckolding der Frau, durch die Hurerei des jungen Herrn, durch Syphilis und durch die Nacht, als der Herr seine Frau mit ihrem Liebhaber erwischt, der ihn ersticht und durch das Fenster springt.
Töchter der Revolution | © Mike Willis / Flickr
Grant Wood, Töchter der Revolution, 1932
Wood beschrieb Töchter der Revolution als seine einzige Satire, aber seine leise Ironie macht es zu einer verheerenden Kritik an Snobismus und süffisantem Elitismus. Im Jahr 1927 nahm Wood eine Kommission für ein Buntglasfenster für ein Denkmal für Veteranen in Cedar Rapids, Iowa, von den Töchtern der Revolution, einer Frauenorganisation für diejenigen, die Abstammung von Männern, die im Unabhängigkeitskrieg kämpften, nach. Sie widersprachen der Verwendung von deutschem Glas für die Gedenkstätte und seine Arbeit wurde abgelehnt. Ein paar Jahre später nahm Wood seine Rache. In »Töchter der Revolution« stellte er drei Mitglieder der Organisation als primitive, schweinäugige, kurzsichtige alte Frauen vor, weit entfernt von ihren heroischen Vorfahren. Und hinter ihnen steht das Gemälde Washington Crossing the Delaware, ein wichtiges ikonografisches Werk der Organisation. Aber wie Wood wusste, war es das Werk eines Deutschen, Emanuel Gottlieb Leutze in seinem Atelier in Düsseldorf.
Mechanischer Kopf | © filosofianetdadaisma / Flickr
Raoul Hausmann, Der Geist unserer Zeit, 1920
Raoul Hausmann war eine der führenden Figuren des Berliner Dadas der 1920er Jahre. Hausmann war ein Österreicher, der mit experimentellen Techniken wie Fotomontage, Lautpoesie und Collage arbeitete und ein Freund von Figuren wie Hugo Ball, George Grosz und Hannah Hoch war. In seiner Assemblage Der Geist unserer Zeit schuf er eines der bestimmenden Bilder der Moderne. Berlin Dada war viel politischer als andere Ansätze der Moderne, sein Ton sardonisch und satirisch, eine Reaktion auf die extreme Politik Deutschlands nach dem Ersten Weltkrieg. Der Geist unserer Zeit ist der Kopf einer Schneiderpuppe mit Maßband, Holzlineal, Taschenuhr, Portemonnaie und Zinnbecher - eine Darstellung des modernen Menschen als hirnloser Roboter, dessen Existenz nicht durch Emotionen oder Intellekt, sondern durch Geld bestimmt wird und mechanische Messungen.
Gargantua | © Paille / Flickr
Honoré Daumier, Gargantua, 1831
Daumier steht neben James Gillray als Karikaturist, dessen Werk als hohe Kunst gilt. Manchmal als "der Michelangelo der Karikatur" bekannt, hatte Daumier bei seinem Tod im Jahr 1879 mehr als 4000 Lithographien und 500 Gemälde geschaffen. Seine Ziele waren die privilegierten französischen Bourgeoisie und Oberschicht, vor allem die Gier und Korruption der Anwaltschaft und Justiz, und die Inkompetenz der Regierung. In Gargantua verwandelte er König Louis-Philippe in die berühmte lächerliche Figur aus der Satire Gargantua und Pantagruel von Francois Rabelais. In Daumiers Augen sitzt der aufgeblähte und birnenköpfige König auf seinem Thron, von Armen und Elenden werden Säcke mit Münzen entlang einer Planke gefüttert, während Speichellecker und Lieblinge unter dem Thron hängen und Dekorationen aufheben. Daumier verbrachte sechs Monate im Gefängnis für die Karikatur, eine Grausamkeit auf die Verschwendungssucht des Königs, der sich kürzlich ein Gehalt von 18 Millionen Franc gegeben hatte.
Modische Kontraste | © James Gillray über Wikimedia Commons
James Gillray, Modische Kontraste, 1792
Öffnen Sie jede Geschichte der Regency-Zeit und Sie werden wahrscheinlich Bilder des Karikaturisten James Gillray finden. Seine witzige, furchtlose Schmähung Napoleons, Pitts des Jüngeren und des Prinzregenten macht ihn zum Vorläufer der politischen Karikaturisten unserer Tage wie Gerald Scarfe und Martin Rowson. Modische Kontraste; oder Der kleine Schuh der Herzogin, der zur Höhe des Fußes des Herzogs ausmacht, ist eine seiner subtilen und berühmten Bilder. Es war eine Antwort auf die Speichelleckerei, die die Hochzeit des Herzogs von York mit einer unscheinbaren preußischen Prinzessin umgab, deren einziges auffälliges Merkmal ihre zierlichen Füße waren, die die Presse übereifrig hervorhob. Gillrays Antwort war ein Bild von zwei kleinen Pantoffeln neben zwei viel größeren männlichen in einer offensichtlich sexuellen Position. Es war ein Stupser über das übertriebene Lob und die Schmeicheleien, die dem Königspaar entgegengebracht wurden, die bald nachließen.
Entropa | © cea + / Flickr
David Cerny, Entropa, 2009
Im Jahr 2009 hielt die Tschechische Republik die EU-Ratspräsidentschaft. Um zu feiern, wurde der tschechische Künstler David Cerny beauftragt, eine Skulptur zu schaffen. Er versprach eine Zusammenarbeit von 27 Künstlern, eine aus jedem der EU-Staaten. Was er stattdessen schuf, war eine ironische Satire auf nationale Stereotypen und ein Test, ob die Länder über sich selbst lachen könnten. Entropa war eine acht Tonnen schwere Installation, die wie ein Modellbausatz aussah, mit einem Bild, das für jeden der Mitgliedsstaaten stand. Es wurde 2009 in Brüssel installiert. Und dann begann die Kontroverse. Diplomaten aus den EU-Ländern begannen zu bemerken, dass ihre Staaten eher provokativ vertreten waren. Belgien mit einer Pralinenschachtel; Dänemark von Legosteinen; Rumänien von einem Dracula-Themenpark; Frankreich mit einem Schild mit der Aufschrift "On Strike!"; Deutschland durch ein Hakenkreuz von Autobahnen; und das euroskeptische UK eine Leerstelle. Schnell entfernt nach der Installation wird Entropa immer noch in Pilsen angezeigt.
LHOOQ | © Public Review / Flickr
Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q, 1919
Marcel Duchamp war der originale Ikonoklast der Kunst des 20. Jahrhunderts, ein Mann, der 1917 für eine Ausstellung neuer Werke in New York berühmt wurde. Fast ebenso berühmt ist L.H.O.O.Q, eine Postkarte von Leonardo da Vincis Mona Lisa, auf die Duchamp einen Schnurrbart und Bart und darunter die Buchstaben L.H.O.O.Q zeichnete. Er hat mehrere Versionen in seinem Leben gemacht: das Original von 1919 ist abgebildet. Es handelte sich um einen spitz zulaufenden Kunstkult und den Künstler, der im Frankreich des späten 19. Jahrhunderts die Bourgeoisie dominierte und sich auf die Mona Lisa konzentrierte, ein Bild, das als Verkörperung ästhetischer Schönheit verehrt wird. Die Buchstaben darunter, wenn auf Französisch gesagt, buchstabieren "Elle a Chaud au Cul", oder "Sie hat einen geilen Arsch". Es ist ein schmutziger Gag und ein ironisches Wortspiel, das auf Da Vincis Homosexualität basiert und auf das selbstgefällige Kunst-Establishment abzielt.
Los Caprichos | © Ashley van Haeften / Flickr
Francisco Goya, Los Caprichos, 1799
Der große spanische Künstler Goya ist berühmt als der Chronist seiner Zeit, der Zeit des Spanischen Krieges und der bonapartistischen Herrschaft in Spanien. Seine Caprichos sind eine Sammlung von 80 Drucken, in denen er die Schwächen, Torheiten, Vorurteile, Ignoranz und Täuschung seiner Landsleute satirisch darstellt. Sie mussten später aus Angst vor der Inquisition aus dem Verkehr gezogen werden. Seine Ziele sind Aberglaube, Priester, Korruption und der Mangel an Rationalität und Aufklärung unter seinen Mitmenschen. Der berühmteste der Caprichos ist manchmal kryptisch, surreal und traumhaft in seiner Bildsprache, Nummer 43, links oben: "Der Schlaf der Vernunft produziert Monster". Darin liegt ein Künstler schlafend an einem Schreibtisch, und überall sind Eulen und Fledermäuse, Symbole der Torheit und Ignoranz, die sich zeigen, wenn der rationale Verstand schlummern darf.
George Grosz, Die Säulen der Gesellschaft, 1926
Grosz war ein wichtiges Mitglied von Berlin Dada und der Neuen Sachlichkeit Bewegung der Weimarer Zeit in Deutschland. Für den großen Kritiker Robert Hughes war er der "Meister der radikalen Sauerkeit", seine Werke sardonisch, satirisch und voller Abscheu gegenüber Deutschland. Huren, Kapitalisten, Priester und Politiker werden von Grosz gnadenlos verunglimpft. In den Säulen der Gesellschaft (um das Bild zu sehen) treffen wir auf vier groteske Figuren: erstens den alten Aristokraten im Vordergrund, das Schwert in der Hand, die duellierende Narbe auf seiner Wange, das Monokel in seinem Auge und den offenen Kopf voller Visionen des Krieges. Oben sind der Journalist, der Palmzweig in der einen Hand und Papiere in der anderen, mit einem Nachttopf auf dem Kopf und der Politiker mit sozialistischen Flugschriften und offenem Kopf voll dampfendem Mist. Schließlich ist da noch der Priester, der die brennende Stadt und die marschierenden Truppen hinter sich nicht bemerkt.
