Top 10 Unglaubliche Zeitgenössische Künstler Aus Den Pazifischen Inseln
Sofia Tekela-Smith
Sofia Tekela-Smith (geb. 1970), hat gemischte schottische und rotumanische Ursprünge und verbrachte ihre Kindheit auf der Insel Rotuma-Fidschi - bevor sie sich in Neuseeland niederließ. Ihre Kunst ist von ihrem polynesischen Erbe und den Traditionen der Körperschmuck beeinflusst. Tekela-Smith hat die Grenzen der Konzeptualisierung, Präsentation und Präsentation ihrer Arbeit - Schmuck und Objekte des Körperschmuckes - erweitert, um "Kunst" statt "Handwerk" zu werden. Melodien ihrer honigfarbenen Haut (2003 ) ist eine Serie schwarzer, reliefierter Fiberglas-Silhouetten von Köpfen, die jeweils mit einem Stück Tekela-Smith-Schmuck verziert sind.
Inspiriert von Kitsch-Objekten, die polynesische, afrikanische und Aborigines-Köpfe zeigen, beliebt als Wohnkultur in den 1950er und 1960er Jahren Silhouetten fordern die stereotypen Bilder von Polynesiern heraus, die durch touristische Strategien der kolonialen Vergangenheit verewigt werden. Die Fotografien in Brown Eyes Blue (2004) unterwandern auch die stereotype Wahrnehmung polynesischer Frauen im kollektiven Imaginären. Anspruchsvoll vor schwarzem Hintergrund posierend, Hände, Arme und Lippen rot angemalt - die Farbe von Leidenschaft, Gefahr, Gewalt, Blut, Heiligkeit - mit einer roten Hibiskusblüte im Haar tragen sie ein großes Perlmutt-Halsband über ihrem nackten Oberkörper.
Sofia Tekela-Smith, Kleine Wolken Kleine Berge (Ausschnitt), 2012, Goldlippe Perlmutt, Pounamu, Wachsfaden, Fotografie, Spiegel, 37,5 cm Durchmesser | Courtesy the artist und Bartley + Company Kunst, Wellington
Michel Rangie
Michel Rangie (geb. 1950) lässt sich von seinem kulturellen Erbe und den spirituellen und sozialen Traditionen seines Ursprungsortes Vanuatu Island of Ambrym inspirieren. Der geographisch isolierte nördliche Teil der Insel hat immer noch weitgehend die Stammesbräuche und die Kastom -Konsumentenregierung, das Recht und die Religion. Eine Vielzahl von Artefakten wird geschaffen, um Rituale und Zeremonien zu begleiten, Gedenken und eine Vielfalt von Ereignissen zu markieren. Rangies Oeuvre wird direkt von diesen traditionellen Handwerken beeinflusst, wie in Mague ne sagran (Rang schwarze Palme) Grad 4 (um 2005) zu sehen ist, einer aus einer Serie von Werken, die von mague inspiriert sind -figurative Skulpturen für männliche Initiationszeremonien. Die ambrymesische Gesellschaft besteht aus Häuptlingen, die sich durch eine Reihe von Noten erheben, deren Ranghöhen durch Zeremonien und die Schaffung von mague gekennzeichnet sind. Die Totemfiguren sind aus geschnitzter schwarzer Palme und mit synthetischen Farben bemalt und haben ihre Einzigartigkeit, je nach dem sozialen Rang des Häuptlings, dem sie gewidmet ist.
John Pule
Niueanischer Künstler, Schriftsteller und Dichter John Pule ( 1962) arbeitet mit Malerei, Zeichnung, Druckgrafik, Filmemachen und Performance. Sein Oeuvre bezieht seine Inspiration aus der Niue'schen Kosmologie und dem Christentum und thematisiert Migration und Kolonialismus. Tukulagi tukumuitea (Für immer und ewig) (2005) verbindet seine persönlichen Erzählungen mit allen oben genannten Themen. Pule stellt Bilder von Christus gegenüber, die vom Kreuz mit trauernden Menschen in einer desolaten Landschaft entfernt sind. Androgyne Figuren tragen große Vögel, Objekte und Menschen auf und ab Leitern, evozieren die Bewegung von Kulturen und Glaubenssysteme. Die Pfingstrosen auf dem Gemälde verweisen auf die Importe der Missionare, einschließlich der Blumen selbst, die Teil der lokalen Flora geworden sind. Dominiert von der roten Farbe - Blut und Gewalt - suggeriert das Werk auch die Möglichkeit der Erneuerung. Pule's Arbeit ist direkt beeinflusst von seinem Interesse an der Tradition von Hiapo - eine freihändige Rindenstofftradition aus Niue. Die hiapo stammt aus der Mitte des neunzehnten und neunzehnten Jahrhunderts und vermischt westliche und niueanische Kulturen mit einer Verschmelzung von Dekor und Bildern, die so unterschiedlich sind wie westliche, traditionelle, Sprache, Numerologie, Marine und Botanik . John Pule, The Disagreement, 2014, Öle, Lacke, Tinten, Ölstab, Polyurethan auf Leinwand, 200 x 200 cm | Courtesy Gow Langsford Galerie Sima Urale
Sima Urale (* 1968) ist Samoas erste Filmemacherin. Als zeitgenössischer visueller Geschichtenerzähler behält sie die samoanische Tradition des mündlichen Geschichtenerzählens oder
fagogo
bei. Ihre Arbeit ist sowohl von ihrem samoanischen Erbe als auch von ihrer Erfahrung beeinflusst, zu urbanisiertem Aotearoa - dem Māori-Namen für Neuseeland - überzugehen. Ihr preisgekrönter Kurzfilm O Tamaiti (1996) "The Children" wurde in Samoan gedreht, mit minimalem Ton und in Schwarz und Weiß gedreht, um die kitschigen Stereotypen der Samoaner zu vermeiden. Die Geschichte eines jungen Mannes, der unter katastrophalen Umständen gezwungen war, Eltern zu spielen, gewann 1996 den Silbernen Löwen für den besten Kurzfilm bei den Internationalen Filmfestspielen in Venedig. Urales zweiter Kurzfilm Still Life (2001) Die Herausforderungen des Älterwerdens für einen eng geknüpften Pākehā - der Māori-Name für Neuseeländer des europäischen Kulturerbe-Paares - wurde die erste Kiwi-Kurzgeschichte, die beim Montreal Film Festival den Besten Kurzfilm und beim Locarno Filmfestival den Special Recognition Award gewann Sima Urale, Samoa / Neuseeland 1969, O Tamaiti, 1996, Kapa Haka (Whero), 2003, 35mm Film und Betacam SP Formate: 15 Minuten, schwarz und weiß, Stereo. Gekauft 2004. Queensland Art Gallery Foundation Grant / Sammlung: Queensland Art Gallery | © Der Künstler Aline Amaru Tahitian Aline Amaru (geb. 1941) ist ein Erneuerer der
Tifaifai
-Anwendung von Tahiti. Meist mit floralen oder abstrakten Mustern verziert, ist
Tifaifai seit dem frühen 19. Jahrhundert in Polynesien zu finden, wahrscheinlich verbunden mit der Einführung von Handarbeiten durch Missionarinnen. Amarus Interpretation der tifaifai -Tradition bezieht seine charakteristischen Muster mit ihren eigenen Erzählungen, wie etwa Darstellungen historischer Szenen, mit ein. La Famille Pomare (1991) zeigt eine Darstellung der fünf Generationen der Pomare-Königsfamilie auf Tahiti - der letzten regierenden Monarchie vor der Übernahme der französischen Kolonialherrschaft im Jahre 1880. Die Figuren sind in chronologischer Reihenfolge dargestellt und reflektieren das Vermächtnis der Königsfamilie auf Tahiti . Amarus Arbeit kombiniert erhabene Applikationen mit aufwendiger Handstickerei, der weniger bekannten nana'o Nähtechnik mit dem paumotu Stich, den sie von ihrer Mutter gelernt hat. Die Tifaifai hat nun auch das traditionelle Barkcloth ersetzt und ist ein wichtiges zeremoniales Objekt, das Familien und Generationen als Erbstücke durchlief. Aline Amaru, Tahiti um 1941, La Famille Pomare (tifaifai) (Pa'oti Stil), 1991, kommerzieller Baumwollstoff und Faden in Applikation und gestickter Technik, 237,8 x 229 cm. Gekauft 2004. Queensland Art Gallery Foundation / Sammlung: Queensland Art Gallery Kalisolaite 'Uhila Der tongaische Künstler Kalisolaite' Uhila verweist auf verschiedene Geschichten und Vorfahren sowie auf den Alltag und die Vielfalt des Seins. Seine Aufführungspraxis lässt sich von den tonianischen Vorstellungen des Seins und den euro-amerikanischen kunsthistorischen Hinterlassenschaften der Performance ab den 1960er Jahren inspirieren. Seine experimentelle Herangehensweise manifestiert Ideen in Metaphern, die eine Art des Seins bestimmen, und spricht seine Heimatkultur an, indem er kulturelle Prozesse und Geschichten in seine Performance-Sprache aufnimmt. Pigs In The Yard
(2011) sieht die Künstlerin sich einen Container teilen mit einem Schwein. Als Uhila versucht, mit dem Schwein zusammenzuarbeiten, erkundet er die Bedeutung des Tieres für seine heimische tongaische Kultur und die andauernden kolonialen Sorgen der pazifischen Inseln. In
Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana
(2015), 'Uhila leitet das Meer an der Oriental Bay in Wellington für sechs Stunden an fünf aufeinanderfolgenden Tagen, von Ebbe bis Flut. Der Künstler zeichnet sich aus der tongaischen Rede und Choreografie sowie seiner Familienlinie tongaischer Seefahrer durch das Tragen von ngatu und si Blätter. Die Aufführung bezieht sich auch auf den Ozean als etwas, das Menschen vereint, anstatt sie zu trennen, und verbindet Vergangenheit, Gegenwart, Persönliches und Globales. Kalisolaite 'Uhila, Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana, 2015, Live-Performance bei The Performance Arcade 2015, Wellington Waterfront, Neuseeland | Courtesy the artist Itiri Ngaro Cookinseln Künstler Itiri Ngaro (geb. 1973) hat sich von der darstellenden Kunst zum bewegten Bild bewegt. Seine Werke sind von seinem Hintergrund in Musik, Theater, Gesang und Tanz beeinflusst. Ngaros Praxis ist selbstreflexiv und zeigt eine urbane Realität, die sich mit dem Erbe Cook Islands vermischt. Obwohl seine Videoarbeiten mit pazifischer Symbolik aufgeladen sind, glaubt der Künstler, dass die Ideen, die er vermittelt, für unsere Existenz allgemein und universal sind. Te 'Oki'anga o Te Vaerua (Die Rückkehr der Seele)
(2007) beschäftigt sich poetisch mit Fragen der kulturellen Identität. Sandzeichnungen verwandeln sich in Erinnerungen an einen Mann, der versucht, sich etwas zu entziehen, oder vielleicht sich selbst. An den ruhigen Stränden der Westküste führt ein Mann Bewegungen des zeitgenössischen und traditionellen Tanzes durch und nimmt das Publikum auf eine Reise von gequälten Momenten zur Rückkehr der Seele.
Ko te au ata mou kore
(Die schiebenden Schatten) (2008) ) integriert physische, spirituelle und mentale Bereiche durch experimentelle visuelle Techniken. Gegensätzliche Kräfte spielen eine Rolle: projizierte Silhouetten spielen soziale Themen wie Körper- und Alkoholmissbrauch, andere stellen engelhafte Vorfahren dar. Maile Andrade Die Multimediakünstlerin Maile Andrade verbindet das Zeitgenössische und das Traditionelle zu Werken, die ihre gebürtige Hawaiianerin widerspiegeln Weltanschauung. Mit einer breiten Palette von Medien sowie innovativen Techniken in Kombination mit traditionellem Handwerk, glaubt Andrade, dass Kunst ein kraftvolles Mittel ist, die Reise des eigenen Lebens darzustellen, und ihre Praxis tief im hawaiianischen Erbe verwurzelt ist. Andrade erkundet und hinterfragt den Gebrauch und das Fortbestehen von Stereotypen, die durch viele Linsen gesehen werden, und wie Ethnographie und Anthropologie kulturelle Praktiken, Kosmologie und Spiritualität missbraucht haben. Die Künstlerin hat das Recht, sich selbst - und ihre eigenen Leute - wiederzuerkennen - eine herausfordernde Vorstellung von den stereotypen Hawaiianern. Kahuli (2011) ist eine Installation von
lauhala
Körben und Glas bezieht sich auf den Begriff von Keia Manawa , dem heutigen Tag, wo die Ureinwohner Hawaiis fest stehen mit dem Rücken zur Zukunft und ihren Augen auf die Vergangenheit. Andrade beschäftigt sich mit der Spannung dieser Zeit und des Raumes und mit der Verzerrung sozialer, kultureller, politischer und historischer Tatsachen, als ob die Ereignisse nie so geschehen würden, wie wir uns erinnern. Dieser Aufruhr ist in ständiger Bewegung, da er Menschen, Orte und Situationen verändert, verändert und erschüttert. Maile Andrade, Ka Huli, 2013, Wandinstallation mit lauhala Körben | Courtesy the artist Paula Schaafhausen Die samoanische Künstlerin Paula Schaafhausen verweist auf ihr kulturelles Erbe durch die Wiederaneignung von Bildern, Materialien, Techniken und visuellen Erzählungen, um sich mit globalen Themen auseinanderzusetzen. In ihrem 2014er Projekt Ebbing Tagaloa beleuchtet die Künstlerin Fragen der Erderwärmung, insbesondere in Bezug auf den Pazifik und seine Inseln. Aufgrund des steigenden Meeresspiegels stehen viele tief liegende Inseln in Ozeanien vor rauen Veränderungen wie einem höheren Salzgehalt im Boden und zurückweichenden Küsten, um nur einige zu nennen. In der samoanischen Mythologie ist Tagaloa der oberste Herrscher und traditionell der Gott des Meeres, der die Inseln, den Himmel und die Meere schuf. Schaafhausen verweist in ihren geformten Figuren aus Kokosöl, Koko-Samoa und Sand auf den Gott. Das Öl und Koko sind Materialien des täglichen Gebrauchs in Samoa, während der Sand auf das Land und die Meere verweist, die die Menschen in Ozeanien vereinigen. Die Statuetten befinden sich auf maßgefertigten Schalen, die die fünf wichtigsten Kiribati-Inseln darstellen, die eine der gefährdeten Tieflandinseln im Pazifik sind. Während der Ausstellung zerbröckeln die Figuren und lösen sich mit Temperatur- und Temperaturschwankungen auf.
Einer der Gruppe von Tagaloa Figuren von Paula Schaafhausen in der Ausstellung 'Ebbing Tagaloa' auf w: en: Enjoy Public Art Gallery | © Stuartyeates / WikiCommons
Fatu Feu'u
Samoan Fatu Feu'u (* 1946) ist in erster Linie Maler, experimentiert aber auch mit einer breiten Palette von Medien wie Bronze, Holz und Stein, Töpferei, Lithographien, Holzschnitte und Glas. Seine Inspiration kommt von polynesischen Kunstformen wie Siapo (Tapa-Tuch), Tatau (Tätowierung), Weberei, Schnitzerei und zeremoniellen Maskenherstellung. Feu'us Praxis ist tief verwurzelt in dem Konzept von fa'asamo - "der samoanische Weg", der kulturelle Konventionen verkörpert, die familiäre Netzwerke mit traditionellen Bräuchen und Zeremonien verbinden. Seine Arbeiten verbinden Einflüsse aus seiner Heimatkultur und der europäisch-amerikanischen Kultur. Feu'us Arbeiten zeigen traditionelle pazifische Motive und Designs, die aus Schnitzereien, Tapas und Tätowierungen stammen. Indem er die antike Symbolik in zeitgenössischen Medien integriert, versucht er eine visuelle Kontinuität für die samoanische Kultur in Aotearoa / Neuseeland zu bewahren. Feu'us Kunst funktioniert als
va'aomanu
- Gefäße des Wissens - die Erinnerungen an Erinnerung, Migration und Versöhnung enthalten. Seine Arbeit vermittelt Erzählungen aus den samoanischen Redetraditionen, die von Generation zu Generation Allegorien und Legenden überlieferten.
Fatu Feu'u, Diamant im Himmel, 2012, Mischtechnik auf Leinwand, 154 x 285 cm | Courtesy der Künstler und Warwick Henderson Gallery, Auckland, Neuseeland
