10 Zeitgenössische Philippinische Künstler Zu Erkennen
Ronald Ventura
Im Jahr 2011 brach Ronald Ventura bei Sotheby's Hong Kong den Rekord für die erfolgreichste südostasiatische Malerei, als er seine Graphit-, Öl- und Acrylarbeiten mit dem Titel Grayground zeichnete für 1,1 Millionen Dollar verkauft. Venturas Gemälde und Skulpturen zeigen mehrere Schichten von Bildern und Stilen, die für die facettenreiche nationale Identität der Philippinen stehen - ein Land, das im Laufe der Geschichte von den Vereinigten Staaten, Spanien und Japan kolonisiert wurde. Venturas Arbeit verkörpert die Komplexität der postkolonialen Kultur durch die Gegenüberstellung von östlichen und westlichen Motiven; hohe und niedrige Kultur; Tradition und Fortschritt; Vergangenheit und Gegenwart.
Alfredo und Isabel Aquilizan
Das Ehepaar Alfredo und Isabel Aquilizan ist 2006 nach Australien ausgewandert - ein Ereignis, das in ihre künstlerische Praxis Eingang gefunden hat. Ihre Arbeit spricht von Gemeinschaft, persönlicher Erfahrung, Erinnerung und Vertreibung, neben den emotionalen und psychologischen Auswirkungen von Migration. Die Aquilizaner benutzen oft kulturell bedeutsame Objekte als Metaphern der "gelebten Erfahrung". Im Jahr 2006 stellten sie auf der Biennale von Sydney Project Belonging: In Transit aus; Sie wurden mit traditionellen balikbayan Kisten hergestellt, die von den Filipinos verwendet wurden, um ihre Habseligkeiten auf der ganzen Welt zu verschicken. Die Installation erinnerte an die Reise des Paares nach Australien. Diese Arbeit entwickelte sich zu Projekt Anderes Land: Adresse (2008), bestehend aus den Inhalten von 140 balikbayan Kisten, jede sorgfältig verpackt und mit persönlichen Gegenständen versehen. Seither haben die Aquilizaner mehrere Werke der lokalen Gemeinschaft produziert, mit gespendeten Materialien und komplexen Installationen aus Objekten von Bedeutung.
Mark Salvatus
Themen des Städtebaus und der Alltagspolitik sind zentrale Elemente des multidisziplinären Künstlers Mark Salvatus dient auch als Mitbegründer der lokalen Straßenkunstgruppen Pilipinas Street Plan und 98B Collaboratory. Inspiriert von seiner Stadtlandschaft, seiner Populärkultur und den Medien, schildert Salvatus die zeitgenössische Erfahrung, sowohl auf seinen Philippinen als auch an den Orten, an die er reist. Salvatus verbindet kulturübergreifende Gemeinsamkeiten, wie in Haiku (2013) dargestellt - eine Videoprojektion von Graffiti, die der Künstler während seiner Reisen durch Japan, New York, Australien und Indonesien fotografierte. Das Video verbindet ansonsten unverwandte Menschen und Kulturen zu einem globalen Dialog. 2014 präsentierte der Künstler Latitudes im Kulturzentrum der Philippinen - eine Serie von drei Arbeiten, die sich mit gesellschaftspolitischen Fragen rund um Land, Luft und Wasser beschäftigen.
Gary-Ross Pastrana
Vertraute Objekte werden in den konzeptuellen Arbeiten von Gary-Ross Pastrana bis zur Unkenntlichkeit dekonstruiert, bis sie eine neue Form, Bedeutung und Funktion erben. Pastrana interessiert sich für die Folgen der Transformation der Körperlichkeit eines Objekts und beobachtet, wie sich seine Konnotationen in der Folge verändern. Feuer frei setzen (2002) untersucht, ob ein Objekt sein "Ding-Sein" behalten kann. Pastrana zerstörte eine Leiter, verbrannte einen Teil der Überreste und schuf einen Vogel aus seiner Asche. Für Two Rings (2008) schmolz der Künstler zwei Ringe seiner Mutter zu einem schwertähnlichen Objekt, um zu untersuchen, ob diese physische Transformation die Sentimentalität oder den Wert des Materials verändern würde. Pastrana kam zu dem Schluss, dass der monetäre Wert nicht verloren gehen würde, aber noch wichtiger ist, dass ihr sentimentaler Wert sich erhöht, wenn die Eigenschaften der Ringe verschmelzen. Pastrana rekonfiguriert die Realität, um die Wahrheit eines Objekts zu enthüllen.
Gary-Ross Pastrana, Ohne Titel (Horizont), 2014. Collage. | Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und von Silverlens.
José Santos III
José Santos III hat die Wahrnehmung des "Alltäglichen" seit langem herausgefordert. In seinen frühen Arbeiten malte Santos hyperrealistische trompe l'oeil Szenen und surreale, traumhafte Kompositionen. Der multimediale Künstler hat einen kryptischen Stil entwickelt, der sein Werk für Interpretationen offen lässt. Er erforscht weiterhin die Faszination für Objekte, um ihre Geschichte aufzudecken und gleichzeitig die Wahrnehmung des Vertrauten durch den Betrachter zu verdecken. In ²hide (2014) und einer Ausstellung in den Pearl Lam Galleries zeigte Santos ein neues Werk, das Alltagsgegenstände mit neuen Bedeutungen zeigt. Unbemerkte Objekte werden oft im Rampenlicht platziert und neu positioniert, um ein neues Erlebnis zu schaffen. Santos evoziert eine erneute Wertschätzung für das Verborgene und zeigt uns, in welchem Maße wir Dinge im täglichen Leben für selbstverständlich halten.
Costantino Zicarelli
Costantino Zicarelli ist ein selbsternannter "gescheiterter Musiker" und Graffiti-Künstler, dessen Werke die Kunst des Lebens widerspiegeln Geschichte von Drohnenmetall, Black Metal und allem Rock'n'Roll. Seine Werke und Ausstellungen sind oft von Songtexten inspiriert, wie seine 2013 in Silverlens Show mit dem Titel weiß als Mondlicht, so weiß wie Knochen, so dunkel wie die Schlange, so dunkel wie der Thron . Auf der Suche nach der "dunklen Seite" der Popkultur enthüllen Zicarellis graphitgraue Zeichnungen Bilder von Totenköpfen, dunklen Wäldern, verschlungenen Schlössern, Discokugeln, zertrümmerten Gitarren, toten Rockstars und Tattoo-Emblemen. Der Künstler erklärt, dass es in seiner Praxis weniger darum geht, ein Groupie zu sein, als vielmehr darum, eine weniger chaotische Seite der Branche zu präsentieren. Seine 2014er Ausstellung The Dust of Men wurde von der Arbeit und Ästhetik von Stanley Kubricks Ikone 2001: A Space Odyssey inspiriert. Von Bildern des Opfers bis zum Verfall zeigte diese Ausstellung die ewige Zerbrechlichkeit von Menschheit.
Costantino Zicarelli, "Bis das Licht uns VI nimmt", 2013. Graphit auf Papier. | Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Silversens.
Norberto Roldan
Gründer von Black Artists in Asia - einer philippinischen Gruppe, die sich auf sozial und politisch fortschrittliche künstlerische Praktiken konzentriert - und Green Papaya Art Projects, Norberto Roldan befasst sich mit lokalen sozialen, politischen und kulturelle Fragen. Seine Sammlung von Texten, Bildern und gefundenen Objekten reflektiert die gelebte Erfahrung des täglichen Lebens auf den Philippinen, neben der Geschichte und dem kollektiven Gedächtnis des komplexen Landes. Roldan legt besonderen Wert auf historische Objekte und ihre Fähigkeit, ihre Bedeutung zu bewahren, sobald sie weggeworfen und vergessen werden, wobei sie in Frage stellt, ob ein Objekt von Natur aus sentimental oder ausschließlich mit Bedeutung ausgestattet ist. Seine Assemblage mit dem Titel Auf der Suche nach der verlorenen Zeit 1/2/3/4 (2010) wurde von Hitlers Wohnung in Berlin inspiriert, die angeblich mit dem Wesen des größenwahnsinnigen Diktators unvereinbar war. Die Arbeit hinterfragt die Art und Weise, in der Objekte widerspiegeln, wer wir sind. Der Anfang der Geschichte und die fatalen Strategien (2011) wurden von Jean Baudrillards Aufsatz mit dem Titel Das Ende der Geschichte und der Bedeutung inspiriert Der Philosoph argumentiert, dass die Globalisierung die Auflösung der Geschichte und den Zusammenbruch des Fortschritts herbeiführte. Jedes Werk ist eine Sammlung alter, in Schränken ausgestellter Objekte, die an eine Vergangenheit erinnern, die durch den Versuch geschaffen wurde, aus vergessenen Erinnerungen einen Sinn für Ordnung zu schaffen.
Norberto Roldan, "Heilig ist der neue Profane 1" (Diptychon), 2010. Assemblage mit gefundenen Objekten. 24 x 48 Zoll. | Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Lightbombs Contemporary.
Louie Cordero
Die reich verzierten und oft grotesk-humorvollen multimedialen Werke von Louie Cordero verbinden indigene Traditionen, spanischen Katholizismus und amerikanische Popkultur zu einer langen Spannungsgeschichte. Seine farbenfrohen Kompositionen beziehen sich auf die Ästhetik von B-Movie-Horrorfilmen, Heavy Metal, Comics, Folklore und Streetlife und beschäftigen sich mit Themen aus der kolonialen Vergangenheit und der katholischen Erziehung des Künstlers. Auf der Singapur Biennale 2011 präsentierte Cordero eine verstörende Multimedia-Installation mit dem Titel My We , inspiriert von den damals jüngsten Morden an unschuldigen Menschen, die Frank Sinatras My Way in Bars rund um die Philippinen sangen. Die Installation zeigte eine Vielzahl von Fiberglas-Figuren, die überall mit zerbrochenen Körperteilen auf ihren Körper stachen. Im Hintergrund projizierte eine Videoinstallation Sinatras tödliches Lied, um eine unheimliche Nachbildung der makabren Ereignisse zu schaffen.
Rodel Tapaya
Rodel Tapaya greift Themen der Erinnerung und Geschichte auf und verwebt zeitgenössische Realität mit volkstümlichen Erzählungen in lebhaften Tableaus durch Volksmärchen und vorkoloniale Geschichte. Cane of Kabunian, nummeriert, aber nicht zu zählen (2010) gewann ihn 2011 mit dem Signature Art Prize. Das Gemälde, das 2014 auf der 10. Gwangju Biennale gezeigt wurde und heute in der Sammlung Tiroche De Leon ausgestellt ist, zeigt Bilder aus der philippinischen Folklore, die zahlreiche Erzählungen und verschiedene allegorische Referenzen verbinden, von der zentralen Hundefigur bis zu Ursprungsmythen und anderen Kreaturen. Tapaya warnt vor Gier und Umweltzerstörung der Menschheit. In ähnlicher Weise kommentiert Mountain Fantasies (2012) die Gefahren des Überbergbaus und die Bedeutung der Erhaltung der Natur. Das Gemälde bezieht Einfluss von Filipino Legenden wie die schöne Waldgöttin Maria Makiling, die die Wälder schützt, und die Geister, die Sämlinge ernähren, wo alte Bäume gestorben sind. Tapayas Arbeit dient als Kritik des Fortschritts der Menschheit auf Kosten der Welt um uns herum.
Martha Atienza
Martha Atienza wurde von einer holländischen Mutter und einem philippinischen Vater geboren und zog durch sie hindurch zwischen den Philippinen und den Niederlanden Das Leben und ihr gemischter Hintergrund spiegeln sich in ihrer Videoarbeit wider. Irgendwo zwischen Vorstellungskraft und Verständnis ist ihre Arbeit eine soziologische Studie ihrer Umwelt. Atienza ist daran interessiert, das Potenzial der zeitgenössischen Kunst als Instrument zur Einführung sozialer Veränderungen zu untersuchen. Zusammen mit Rodel Tapaya gehörte sie zu den Finalisten des Sovereign Asian Art Prize 2013/2014, wo sie ihre Arbeit endlose Stunden auf See präsentierte. Die Videoinstallation ist eine Hommage an die Geschichte der Ozeanreisen, inspiriert von der Vergangenheit ihres Vaters als Kapitän zur See. Mit einem bewegten Video des Meeres, gebrochen durch ein Glas Wasser und begleitet vom Klang des Ozeans, fängt dieses Werk die Illusion von fließenden Gewässern ein und lässt eine Halluzination entstehen, die durch die Isolation eines Lebens auf See hervorgerufen wird.
