10 Zeitgenössische Weibliche Künstler Aus Indien
Shilpa Gupta
Shilpa Guptas interdisziplinäre Praktiken untersuchen ein Spektrum von Themen von Konsumkultur bis hin zu Sehnsucht, Sicherheit, Religion, Nationalismus und Menschenrechten. Fotografie, Installation und Performance-Kunst, die oft auf die Teilnahme des Publikums angewiesen ist. Ihre Videoprojektionsserie mit dem Titel Shadow (1, 2 und 3) funktioniert wie ein interaktives Videospiel und umfasst die simulierten Schatten der Zuschauer, die von einer Live-Kamera aufgenommen wurden. Die Schatten werden auf den weißen Bildschirm projiziert und interagieren mit anderen Schatten, die von Objekten, Puppen, Häusern, Vögeln und anderen Figuren erzeugt werden, die tanzen, springen und gehen. Gupta gehört zu einer jungen Generation indischer Künstler, deren Arbeiten auf die postkolonialen gesellschaftlichen Gräben des Landes reagieren. Sie verwischt, zeichnet und löscht oft geopolitische Grenzen, wie in handgezeichneten Karten von Indien (2007-2008), die aus handgezeichneten Karten von Zuschauern aus dem Gedächtnis bestehen unbetitelte Arbeit, die eine gelbe Streifenfahne zeigt, auf der steht: "Hier gibt es keine Grenze." Bharti Kher
Das Stick-on, fertig konfektioniert
bindi - eine traditionelle indische Stirndekoration - ist zentral Bharti Khers Praxis und lädt ambivalente Bedeutungen ein, die zwischen Tradition und Moderne oszillieren. Kher lebt davon, Kunst zu schaffen, die Fehlinterpretationen, Missverständnisse, Konflikte, Vielfalt und Widersprüchlichkeit darstellt und das menschliche Drama und das zeitgenössische Leben erforscht. Die Bindi erscheinen sowohl in ihren Gemälden als auch in ihren skulpturalen Installationen, die die Rolle der Frau in einem traditionellen Land herausfordern und auf ihre traditionelle spirituelle Bedeutung des "dritten Auges" verweisen. Ihre rekordverdächtige Die Haut spricht eine Sprache, die nicht ihre eigenen ist (2006) stellt einen toten oder sterbenden Fiberglas-Elefanten dar, der mit glänzenden Bindis bedeckt ist . Ihre Arbeit beschäftigt sich weiter mit allegorischen Geschichten, phantastischen Kreaturen, Magische Bestien und mystische Monster, wie in anderen Tierstücken wie Fehlverhalten . Ein Fehlen einer zuweisbaren Ursache (2007) ist eine lebensgroße Kopie des Herzens von Ein Blauwal, der auf der Vorstellungskraft des Künstlers basiert, betont die romantische Idee eines "großen Herzens" und die Mysterien, die das Herz an Konzepte von Liebe, Leben und Tod binden. Bharti Kher - Eine Abwesenheit der zuweisbaren Ursache | © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Mit Papier als ihrem primären Medium und einem minimalen Assoziationsreichtum schafft Zarina Hashmi abstrakte Arbeiten, die mit ihren Lebenserfahrungen von Exil und Enteignung und dem Konzept von Zuhause - ob das ist persönlich, geographisch, national, spirituell oder familiär. Ihr kontemplatives, poetisches Oeuvre umfasst Holzschnitte, Radierungen, Zeichnungen und Abgüsse aus Papierbrei. Ihre handwerklichen und kalligrafischen Linien bilden ein verbindendes Element in ihren Kompositionen. Die Sprache ist für den Künstler ausschlaggebend.
Letters from Home (2004) zeigt eine Serie von Drucken, die auf Briefen von ihrer in Pakistan lebenden Schwester Rani basieren. In einem Tate-Videointerview erzählt Zarina, wie es ihr geholfen hat, ein Gefühl für Identität zu erhalten, wenn sie diese Briefe erhielt. Das handgeschriebene Urdu ist mit Karten und Blaupausen entfernter Häuser und Orte überlagert und trägt die Schatten bedeutender Momente und Eindrücke von Orten, die für das Leben ihrer Familie relevant sind. Nalini Malani
Das Konzept der transzendierten Grenze ist das Herz von Nalini Malanis Praxis, die aus Literatur, Mythologie, Geschichte und persönlichem Leben schöpft, um Kunst mit Relevanz über Kulturen hinweg zu schaffen. Von Zeichnungen bis zu Gemälden, projizierten Animationen, Schattenspielen, Video und Film stellt der Künstler Tradition mit modernistischen Elementen in Verbindung, um drängenden Fragen der zeitgenössischen Gesellschaft zu begegnen. Ihre Familie war von der Teilung von 1947 betroffen - ein Thema, das Malani sehr am Herzen liegt, wie in
zu sehen istErinnerung an Toba Tek Singh (1998) , ein Video, das von Sadat Hasan Mantos Kurzgeschichte mit dem gleichen Titel inspiriert wurde. Malani verwendet die Symbolik von Bishen Singhs Tod - ein geistiger Patient, der, während er sich weigert, während der Teilung nach Indien zu ziehen, im Niemandsland zwischen den beiden Grenzen stirbt. Malani untersucht nun die Auswirkungen der Teilung auf das Leben der Menschen und sie erweitert diese Untersuchung auf die Wirkung der Atomtests in Pokhran, Rajasthan. Malanis Interesse an Cassandra liegt in ihrem Glauben, dass jeder von uns Einsichten und Instinkte hat. Ihre 2014 Ausstellung mit dem Titel Cassandras Geschenk in der Vadehra Art Gallery konzentrierte sich auf die Möglichkeit, dass die Menschheit die Ereignisse der Zukunft vorhersieht und wirklich "hört", was um sie herum geschieht. Rina Banerjee
Eine Liebe Substanz, Stoff und Textur, gepaart mit Lebenserfahrungen in Gemeinschaften gemischter kultureller / rassischer Herkunft, bilden die Grundlage für die poetischen multimedialen Arbeiten von Rina Banerjee. Sie definiert ihr Werk als eine Erkundung "spezifischer kolonialer Momente, die Ort und Identität als komplexe diasporische Erfahrungen ineinander verschlungen und manchmal surreal erfinden". Banerjee schafft farbenfrohe Assemblagen von Textilien, Modeartikeln, kolonialen Objekten, Einrichtungsgegenständen, Präparatoren und organischen Materialien, die aus New Yorker Trödelläden stammen und sich zu Objekten mit neuer Bedeutung umgestalten. Ungewöhnliche Materialien sind ausgestopfte Alligatoren, Holzbetten, Fischgräten, Straußeneier, Federn und antike Möbel. Während die Hybridität ihrer Arbeiten ihren kosmopolitischen Hintergrund widerspiegelt, ist die von ihr geschaffene Bildsprache in Mythologie und Märchen verwurzelt.
Nimm mich, nimm mich ... zum Palast der Liebe (2003) ist eine Installation Das wurde 2011 im Musée Guimet in Paris gezeigt. Es knüpfte einen Diskurs über ihre Herkunft und die west-orientalistische Sicht des Ostens an und umfasste einen rosafarbenen Plastikpavillon in Form des Taj Mahal, um einen Blick auf Indien durch die Rose zu erwecken - getönte Gläser, charakteristisch für die koloniale britische Präsenz in Indien - mit einer zentralen Ansammlung "exotischer" Materialien. Dayanita Singh
Dayanita Singh schafft durch das fotografische Medium eigenwillige Erzählungen des Alltags und verleiht einer Landschaft einen visuellen Ausdruck Das stellt die Vorstellungskraft des Künstlers der realen Welt gegenüber. Ihre Schwarz-Weiß-Fotografien werden in einer Installation mit dem Titel
Museum, sowie in ihrem Lieblingsmedium, dem Buch, präsentiert. Papier hat für Singh eine besondere Bedeutung. Der Künstler portraitiert jeden von der Oberschicht bis zum Rand der Gesellschaft und gibt einen weiten Blick auf das zeitgenössische Indien. Mona Ahmed ist eine wiederkehrende Figur in ihrer Arbeit; seit ihrer ersten Begegnung 1989 in einer Kommission für die Londoner Times - ein Eunuch, der auf einem Friedhof in Alt-Delhi lebte, ein von seiner Familie und der Eunuch-Gemeinschaft zurückgewiesener Doppel-Außenseiter. Singhs Darstellung von Mona ist eine Untersuchung von Menschen mit fragmentierten Identitäten und einem Mangel an Zugehörigkeitsgefühl, was das Thema des Buches Myself Mona Ahmed ist. Singhs House of Love verwischt die Grenze zwischen Fotobuch und literarischer Fiktion, begleitet von Gedichten und Prosa, die neun Kurzgeschichten erzählen. Die tragbaren "Museen", wie das Filmmuseum (2013) oder das Museum des Zufalls (2014), sind große Holzkonstruktionen, die in verschiedenen Konfigurationen arrangiert werden können zu 140 Fotografien. Diese "Foto-Architektur", wie sie Singh nennt, erlaubt ihr, Bilder endlos darzustellen, zu bearbeiten und zu archivieren. Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat integriert oft mehr als ein Medium in ein einziges Kunstwerk. Kallats Oeuvre beschäftigt sich mit den nie endenden Zyklen der Natur und der Zerbrechlichkeit des menschlichen Zustands und spiegelt die ständigen Veränderungen zwischen Geburt, Tod und Wiedergeburt wider; Aufbau und Zusammenbruch, Niederlage und Wiederaufleben. Sie arbeitet häufig mit offiziell registrierten oder registrierten Namen - von Personen, Objekten oder Denkmälern, die verloren gegangen oder spurlos verschwunden sind. Ein wiederkehrendes Motiv in ihrer Praxis ist der Stempel, ein Symbol der Kontrolle und des bürokratischen Apparats - ein "gesichtsloser Staat", der Identitäten verdunkelt und bestätigt. Kallat benutzt seit 2003 Stempel und investiert ihre Arbeiten mit Ironie. In Falling Fables verwendete sie Briefmarken mit den Adressen von fehlenden Denkmälern, die im Rahmen der Archäologischen Untersuchung Indiens geschützt waren. Sie schuf Formen von architektonischen Ruinen, die Aufmerksamkeit auf den Zustand des Zusammenbruchs und Bruches des kollektiven Gedächtnisses in Indien und der ganzen Welt lenken. 2013 schuf sie
Untitled (Cobweb / Crossings) , ein Spinnennetz an der Fassade des Bhau Daji Lad Museums in Mumbai. Ihre Kreation umfasste eine Tonne von Gummistempeln, die die früheren Namen von Straßen rund um das Museum trugen und die verlorenen Geschichten hervorhoben. Kallat hat zuvor das Motiv des Internets genutzt, um sich mit Migrationsthemen und denen, die es kontrollieren, auseinanderzusetzen. In 'Untitled (Map / Drawing)' zeichnet eine komplizierte, mit elektrischen Drähten und Beschlägen gefertigte Weltkarte die oft verborgenen Wanderungswege der Arbeiter auf. [K] Reena Saini Kallat - Ohne Titel (2008) - Detail | © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Hema Upadhyay thematisiert durch Fotografie und skulpturale Installation die Begriffe der persönlichen Identität, Zugehörigkeit, Dislozierung, Nostalgie und Gender und reflektiert den gegenwärtigen Zustand Mumbais - eine Metropole mit Multikulturalität von Migrationsbewegungen. Eine immer wieder autobiographische Arbeit umfasst Bilder von sich selbst, als ob sie nach ihrem eigenen Platz in der Stadt suchte, zu dem sie während der Teilung mit ihrer Familie gezwungen wurde. In ihrer ersten Einzelausstellung,
Sweet Sweat Memories (2001), präsentierte sie Arbeiten, die von Gefühlen der Entfremdung und des Verlustes handeln. Die Serie zeigte Miniaturfotos von sich selbst, die auf Gemälde geklebt wurden, die die Luft und Subaltern von Mumbai als eine überwältigende neue Stadt darstellen. Sheela Gowda
Sheela Gowda arbeitet mit Skulpturen, Installationskunst und Fotografie, die das urbane und ländliche Indien zeigen Verwendung alltäglicher Materialien, einschließlich gefundener und recycelter Gegenstände und Materialien wie Kuhdung, Rot
Kumkum (Kurkuma), Weihrauch, Menschenhaar, Blattgold, zeremonielle Farbstoffe und Haushaltsmaterialien wie Kokosfasern, Nadeln, Fäden und Schnur. Gowdas Praxis stützt sich stark auf ihren Prozess, der die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk verwischt und die Rolle der weiblichen Subjektivität im Kontext von Religion, Nationalismus und Gewalt, die das heutige Indien ausmachen, hinterfragt. Und erzähle von meinem Schmerz (2001) verwendeten mehr als 100 Meter mit Rot gefärbter, mit Kumkum eingefärbter Spiralen, , hängend und drapierten den Raum zu einer dreidimensionalen Zeichnung. Die Arbeit bezog sich auf Indiens Gewürzkultur und die Textilindustrie - traditionell Teil einer gelebten Frauserfahrung -, um den Schmerz des weiblichen häuslichen Lebens in einer patriarchalischen Gesellschaft zu beleuchten. Pushpamala N
Durch Fotografie, Performance und Videokunst, Pushpamala N kritisiert das indische weibliche soziokulturelle Stereotyp und die reduktive Klassifikation der ethnographischen Dokumentation. Ausgebildet als Bildhauerin wandte sich Pushpamala in den 1990er Jahren der Fotografie und der Performance-Kunst zu, um ihr Interesse an Erzählungen zu erforschen. Mit Elementen der populären Kultur und Tradition untersucht sie Vorstellungen von Ort, Geschlecht und Geschichte. Ihre wegweisende Ausstellung,
Ausgrabungen, zeigte Assemblagen verworfener Papiere und Materialien, die versuchten, die Zeitgeschichte als archäologische Stätte zu betrachten. Pushpamalas "Photo-Romanzen" sehen sie als das Subjekt in verschiedenen Rollen, mit Bildern aus der Popkultur, Mythologie und historischen Bezügen, die humorvoll die Komplexität der zeitgenössischen Gesellschaft und des urbanen Lebens Indiens untersuchen. Von Geistergeschichten zu sentimentalen Romanzen und ethnographischen Porträts hinterfragt Pushpamala Vorstellungen von Weiblichkeit, Nation, Eingeborener, Reichtum gegen Armut und imaginäre Städte. Pushpamala N. | © Shiv Ahuja / WikiCommons
