10 Japanische Zeitgenössische Künstler Zu Wissen
Chiho Aoshima
Ein Mitglied von Kunstproduktionsfirma Kaikai Kiki und die Superflat-Bewegung (beide vom legendären japanischen Künstler Takashi Murakami gegründet), ist Chiho Aoshima am besten bekannt für ihre fantastischen urbanen Pop-Kreaturen und Landschaften. Als Autodidakt, der in Murakamis Fabrik mit Grafiken begann, schafft Aoshima surreale Traumlandschaften, die von Geistern, Dämonen, jungen Frauen und Naturelementen bewohnt werden. Ihre Kunstwerke sind großformatig und mit Materialien wie Leder und Plastik auf Papier gedruckt. Im Jahr 2006 produzierte Aoshima City Glow, Mountain Whisper (2006) an der Gloucester Road Station in London als Teil von Art on the Underground, wo 17 aufeinander folgende Plattformbögen eine magische Landschaft kreierten, die sich allmählich von Tag zu Nacht verwandelte. städtisch bis ländlich. Die Arbeit stellte Aoshimas utopische Welt dar, in der die Zeit schwebt und organische Lebewesen eins mit ansonsten unbelebten Dingen sind.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota ist eine Performance- und Installationskünstlerin, die großflächige, ortsspezifische visuelle Installationen kreiert. Im Mittelpunkt ihrer Praxis stehen Themen wie Erinnerung und Vergessen, Träume und Realität, Vergangenheit und Gegenwart und die Konfrontation von Angst. Ihre berühmtesten Arbeiten sind undurchdringliche schwarze Fäden, die eine Vielzahl von Haushalts-, persönlichen und Alltagsgegenständen wie alte Stühle, ein gebranntes Klavier, ein Brautkleid und manchmal auch die Künstlerin selbst umfassen. Labyrinth of Memory (2012) besteht aus einer Reihe von Kleidern, die von dem allgegenwärtigen schwarzen Faden, der in so vielen ihrer Arbeiten gegenwärtig ist, verschlungen werden. Diese Kleider sind als "zweite Haut" konzipiert, die den Körper formt und einschränkt. Die Omnipräsenz von schwarzem Garn soll diese exakte Beziehung beschreiben und durchsetzen. Im Sommer 2014 installierte Shiota Perspectives (2004), mit mehr als 300 gespendeten Schuhen, begleitet von handschriftlichen Notizen von jedem Spender, die ihm eine persönliche Erinnerung anvertrauten. Shiota verband die Schuhe mit einer Schnur aus rotem Garn, die jeweils an demselben Haken befestigt waren. Shiota repräsentierte Japan auf der 56. Biennale in Venedig 2015 und ihre erste Ausstellung im Blain Southern, Berlin, die 2016 während der Berlin Art Week eröffnet wurde, sorgte für Aufsehen.
Perspektiven: Chiharu Shiota | © Amanjeev / Flickr
Ei Arakawa
Ei Arakawa ist inspiriert von Veränderungszuständen, Phasen der Instabilität, glücklichen Zufällen und Risikoelementen. Seine Performance-Stücke und Installationen beinhalten Themen der Kollektivität, Freundschaft, Gleichzeitigkeit und Improvisation. Arakawas Arbeit ist fast immer kollaborativ und beschäftigt sich mit dem Element der Kunst von Kunst - von der Produktion bis zur Zerstörung. Seine künstlerische Sensibilität ist geprägt von einem performativen, unbestimmten, überall-aber-nirgendwo-Zustand. Seine Arbeiten tauchen international an unerwarteten Orten auf und multiplizieren sich durch kollaborative Prozesse. Im Jahr 2013 wurde seine Arbeit in der "Kamikaze Loggia" (georgischer Pavillon) der Biennale in Venedig ausgestellt und in einer Untersuchung der zeitgenössischen japanischen Kunst mit dem Titel Roppongi Crossing im Mori Art Museum. Seine Installation Hawaiian Presence (2014) war ein Gemeinschaftsprojekt mit der in New York lebenden Künstlerin Carissa Rodriguez für die Whitney Biennale 2014. Auf der Frieze London im Jahr 2014, Arakawa und sein Bruder Tomoo - arbeiten als Duo unter dem Namen "United Brothers" - präsentiert eine Performance-Arbeit mit dem Titel Does This Soup Taste Ambivalent? in dem das Paar Suppe angeboten, Besucher angeblich mit Fukushimas "radioaktiven" Daikonwurzeln hergestellt.
Koki Tanaka
Der Künstler des Jahres 2015 der Deutschen Bank, Koki Tanakas visueller Ansatz, erforscht die Gemeinschaft und eine gemeinsame Erfahrung von Kreativität und Vorstellungskraft, fördert den Austausch unter den Teilnehmern und setzt sich für neue Regeln der Zusammenarbeit ein. Seine Installation im Japan Pavillon der Biennale 2013 in Venedig bestand aus einem Video mit Objekten, die den Pavillon in eine Plattform für künstlerisches Teilen verwandelten. Tanakas Videos und Installationen erforschen die Beziehung zwischen Objekten und Handlungen und zeichnen einfache Gesten auf, die mit Alltagsgegenständen wie einem Messer, das Gemüse schneidet, Bier, das in ein Glas gegossen wird, und dem Öffnen eines Regenschirms aufgenommen werden. In diesen Videos geschieht nichts Grosseres, doch zwingen die zwanghafte Wiederholung und die Aufmerksamkeit auf kleinste Details den Betrachter dazu, das Alltägliche zu schätzen.
Mariko Mori
Mariko Mori schafft multimediale Arbeiten in Video, Fotografie, neuen Medien und Installationskunst. Sie drückt eine minimalistische, futuristische Vision durch schlanke, surreale Formen aus. Ein wiederkehrendes Thema in Moris Arbeit ist die Gegenüberstellung der östlichen Mythologie mit der westlichen Kultur, wie sie in ihren digital geschichteten Bildern zu sehen ist. Mori wurde mit Wave UFO bekannt, das 2003 im Kunsthaus Bregenz in Österreich debütierte. Später reiste das Stück nach New York und wurde später in die Biennale von Venedig 2005 aufgenommen. Im Jahr 2010 gründete Mori die Faou Foundation, eine Bildungs- und kulturelle Non-Profit-Organisation, mit der sie eine Reihe von eigenen harmonischen, ortsspezifischen permanenten Kunstinstallationen widmete, um die sechs bewohnbaren Kontinente zu ehren. Kürzlich wurde eine permanente Installation der Faou Foundation mit dem Titel Ring: One with Nature über einem malerischen Wasserfall bei Visconde Mauá in Resende unweit von Rio de Janerio installiert.
Mariko Mori, "Unendliche Energie" , 2013. Arbeiten mit Unterstützung von Espace Louis Vuitton Tokyo | © Louis Vuitton / Jérémie Souteyrat
Ryoji Ikeda
Ryoji Ikeda ist ein neuer Medien- und Klangkünstler, dessen Arbeit sich in erster Linie mit Klang in einer Vielzahl von "rohen" Zuständen befasst - von Sinustönen bis zu Rauschen - mit Frequenzen am Rand von der menschliche Hörbereich. Seine Performances und immersiven Installationen umfassen computergenerierte Klänge, die sich visuell in Videoprojektionen oder digitale Muster verwandeln. Ikedas audiovisuelles Werk verwendet Skala, Licht, Schatten, Volumen, Schatten, elektronische Klänge und Rhythmus, um die Sinne zu überschwemmen. Ikedas berühmtes Testbild [Nr.5] besteht aus fünf Projektoren, die eine etwa 28 Meter lange und acht Meter breite Grundfläche beleuchten. Die Installation konvertiert Daten (Text, Töne, Fotos und Filme) in Strichcodes und binäre Muster von Nullen und Einsen. Ikedas Oeuvre umfasst auch One-Night-Performances wie Datamatics [Version 2.0] , eine aktualisierte Version eines audiovisuellen Konzerts, das er seit 2006 an mehreren Orten auf der ganzen Welt präsentiert, beginnend mit Zero1, San Jose, California, für ISEA 2006. Ikeda untersucht und wendet mathematische und wissenschaftliche Methoden an, um Musik, Zeit und Raum zu gestalten und faszinierende Erlebnisse zu schaffen. Er erforscht Sound und Vision und dekonstruiert ihre physikalischen Eigenschaften, um die komplexen Beziehungen aufzuzeigen, die mit der menschlichen Wahrnehmung verbunden sind. Letztendlich testet Ikeda die extremen Potentiale der digitalen Technologie, indem er die Wahrnehmungsschwellen herausfordert.
Takashi Murakami
Takashi Murakami ist einer der bekanntesten zeitgenössischen Künstler Japans. Murakamis Arbeiten sind von Gemälden bis hin zu großformatigen Skulpturen und Modekollaborationen von Manga und Anime beeinflusst. Als Gründer der Superflat-Bewegung und des Kaikai Kiki-Künstlerkollektivs hat Murakami die Karrieren vieler seiner Zeitgenossen entwickelt und unterstützt. Der Begriff "Superflat" beschreibt sowohl die ästhetischen Merkmale der japanischen Kunsttradition als auch die Natur der japanischen Kultur und Gesellschaft der Nachkriegszeit. Die Tradition hinterließ ein Vermächtnis von flachen, zweidimensionalen Bildern mit Betonung auf flachen Farbflächen, die in der zeitgenössischen Kultur durch Manga und Anime neu ausgearbeitet wurden. Das Nachkriegs-Japan hat auch eine "Verflachung" der Unterschiede in der sozialen Klasse und im Geschmack erlebt. Murakamis eigene Praxis besteht darin, Elemente, die normalerweise als "niedrig" oder subkulturell angesehen werden, neu zu verpacken und sie auf den "hohen" Kunstmärkten für Mode und Kunst zu präsentieren. Seine provokative Mein Lonesome Cowboy (1998) wurde 2008 bei Sotheby's New York für eine Rekordsumme von $ 15,2 Millionen verkauft. Murakami hat neben seiner Arbeit mit Marc Jacobs, Louis Vuitton und Issey Miyake zusammengearbeitet.
Tatsuo Miyajima
Tatsuo Miyajima ist ein Bildhauer und Installationskünstler, dessen hochtechnologische Arbeiten moderne Materialien wie elektrische Schaltkreise, Video und Computer verwenden, die seit den 1980er Jahren auf den Gebrauch von Geräten ausgerichtet sind. Miyajimas künstlerische Kernkonzepte sind von humanistischen Ideen und buddhistischen Lehren inspiriert. Die LED-Theken in seinen Installationen blinken kontinuierlich in der Wiederholung von 1 bis 9 und symbolisieren den Weg vom Leben zum Tod, aber die Vermeidung der Finalität, die durch 0 repräsentiert wird und nie in seinem Werk erscheint. Seine allgegenwärtigen Ziffern, die in Gittern, Türmen und Schaltkreisen präsentiert werden, drücken sein Interesse an Vorstellungen von Kontinuität, Verbindung, Ewigkeit und dem Fluss von Zeit und Raum aus. Zuletzt wurde Miyajimas Arbeit mit dem Titel Pfeil der Zeit (Unvollendetes Leben) in der Eröffnungsausstellung von Met Breuer, Unvollendete: Gedanken sichtbar in New York City gezeigt.
藍色 地平線| © Bowy Gavid Bowie Chan / Flickr
Yayoi Kusama
Yayoi Kusama hat mit einer erstaunlichen Karriere von sieben Jahrzehnten die Bereiche Malerei, Zeichnung, Collage, Skulptur, Performance, Film, Druckgrafik, Installation und Umweltkunst erforscht sowie Literatur, Mode und Produktdesign. Kusama hat einen unverwechselbaren Stil von gepunkteter Polka-Kunst entwickelt, der seitdem zu ihrem Markenzeichen geworden ist. Solche illusorischen Visionen sind für Kusama das Produkt von Halluzinationen, die sie seit ihrer Kindheit erlebt hat, in denen die Welt in wuchernde Formen gehüllt scheint. Kusama hat ganze Räume mit bunten Punkten und "Unendlichkeitsspiegeln" bedeckt, die endlos bunte Lichtformen reflektieren.
Yayoi Kusama, Nachwirkungen der Vernichtung der Ewigkeit [Installationsansicht], 2009 | © Andrew Russeth / Flickr
Yoshitomo Nara
Yoshitomo Nara schafft Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen, die seine Unterschrift mit weit aufgerissenen Augen und Kindern zeigen - Themen, die versuchen, ein kindliches Gefühl von Langeweile und Frustration einzufangen wilde natürliche Unabhängigkeit für Kinder. Er erinnert an traditionelle Buchillustrationen und zeigt eine unruhige Spannung, teilweise beeinflusst von Nara's Liebe zum Punk Rock. Die Titel seiner Werke belegen dies, von Das Mädchen mit dem Messer in ihrer Seite (1991) bis Stille Gewalt (1998), Neurotisch bis zum Knochen (1 ) und Es gibt nichts (2000). 2011 veranstaltete das Museum der Asia Society in New York seine erste große Einzelausstellung mit dem Titel Yoshitomo Nara: Niemands Fool , die Arbeiten umfasst, die die 20-jährige Karriere des Künstlers umfassen. Die ausgestellten Werke waren eng mit den Sensibilitäten jugendlicher Subkulturen weltweit verbunden und konzentrierten sich auf Themen der Entfremdung und Rebellion, insbesondere in Bezug auf Rock - und Punkmusik.
Pup King - Yoshitomo Nara + graf | © sprklg / Flickr
