Indische Volkskunst: Evolution Und Diversität

Erkunden Sie den Ursprung und die Entwicklung des Indischen Stammes-und Volkskunstformen und soll weiter auf ihren Einfluss auf moderne indische Kunst-Szenario reflektieren. Sehen Sie, ob diese Kunstformen in der heutigen Gesellschaft relevant bleiben und ob es zukünftige Möglichkeiten für ihr Überleben gibt.

Madhubani paintings | © Raj Gopal Singh Verma / flickr

Das Publikum der Welt könnte gewisse Vertrautheit mit indischen Stammes- und Volkskunstmotiven haben, die oft durch das Medium Druck auf verschiedenen Waren reproduziert werden. Allerdings kennen Sie vielleicht nicht die Herkunft der Bilder, die eine Aura Indiens darstellen und darstellen. Indische Kunstmotive sind so vielfältig wie die indische Kultur selbst, aber man kann die wieder auftauchenden Symbole von Gottheiten, Flora und Fauna, höfischem Leben und Bräuchen unter anderen Bildern, die oft von Volkskünstlern geschaffen wurden, kennen.

Madhubani Art

Madhubani, in der Region Mithilia in Indien praktiziert, ist eine berühmte Form der Volkskunst. Es wird mit Hilfe von natürlichen Pigmenten und Farbstoffen gemacht. Die Ausrüstung für das Malen wird normalerweise auch in Handarbeit hergestellt. Geometrische Figuren und lebhafte Farben sind die hervorstechendsten Merkmale von Madhubani-Gemälden. Die Bilder entstanden zunächst auf den frisch verputzten Lehmwänden, heute werden verschiedene Materialien wie Stoff, Büttenpapier und Leinwand verwendet. Das häufigste Motiv von Madhubani-Gemälden beschäftigt sich mit der Darstellung von Ardhnarishwar (dem Schöpfer); Die Praktizierenden des Hinduismus glauben, dass die Welt aufgrund der Vereinigung der weiblichen und männlichen Kräfte von Parvati und Shiva entstanden ist. Dies ist der Grund, warum Künstler, die in der Madhubani-Kunst arbeiten, keine einzige Linie zeichnen, sondern immer doppelte Linien zeichnen, die die Harmonie zwischen den Gegensätzen symbolisieren. Weitere Themen sind die Darstellung von Geburt, Heirat, Festlichkeiten, Naturphänomen (Sonne, Regen, Sonne) und Pujas . Einige der preisgekrönten und bekannten Praktiker der Madhubani-Kunst sind Mahasundari Devi, Sita Devi, Godavari Dutt, Bharti Dayal und Bua Devi.

Kohbar von Mithila von Padma Shri Sita Devi | © Sumanjha1991 / WikiCommons

Warli Art

Die Warli-Malerei ist eine Kunstform, die ursprünglich vom Warli-Stamm konzipiert wurde und sowohl in den Bergen als auch in den Küstenregionen von Gujarat und Maharashtra beheimatet ist. Die Gemälde sind traditionell in Weiß auf braunem Grund gehalten. Das weiße Pigment ist Reis, der mit Wasser und Gummi vermischt ist, und der Ockerton wird aufgrund der mit Kuhdung verputzten Lehmwände erreicht. Yashodhara Dalmia berichtet in ihrem Buch The Painted World of the Warlis über die Geschichte und Entwicklung der Warli-Gemälde, die ihrer Meinung nach in den Jahren 2500 und 3000 v. Ihr Thema stellt gewöhnlich Erzählungen aus dem Stammesleben dar und präsentiert gängige Dorfrituale, spielt auf religiöse Praktiken an und vergöttlicht Götter und Göttinnen. Die Figuren sind jedoch äußerst rudimentär und die Komposition wird mit Hilfe von Variationen in den Grundformen Kreis, Dreieck und Quadrat erreicht. Trotz der Tatsache, dass die Bilder normalerweise die Innenwände von Lehmhäusern schmücken, soll ihr Studium dennoch interessante Erzählungen über die Härten des ländlichen Lebens, religiöse Überzeugungen und Stammesideologien vermitteln. Die Tragödie des Verlustes der Gemeingüter findet auch oft Eingang in die Erzählungen der Gemälde.

Warli Art im Musée du Quai Branly | © Jean-Pierre Dalbéra / Flickr

Tanjore Art

Tanjore Art entstand aus dem Thanjavur-Distrikt im südindischen Bundesstaat Tamil Nadu. Die Bilder beschäftigen sich meist mit der Darstellung religiöser Subjekte, Gottheiten und ihrer Darstellung in einem höfischen Rahmen. Die Gemälde sind auf Holzbrettern ausgeführt und mit Goldplatten, Edelsteinen und Halbedelsteinen sowie Farbpigmenten verziert. Die Komposition enthält normalerweise zweidimensionale Figuren. Der Akt der Malerei, der der indischen Kunsttradition folgte, wurde als heilig betrachtet und von bestimmten Ritualen begleitet; Folglich blieben die Gemälde heilig und wurden nie von den Komponisten unterzeichnet. Diese Gemälde wurden erstmals im 16. Jahrhundert unter der Schirmherrschaft der Hindu-Herrscher von Vijayanagar Rayas und Thanjavur Nayaks in Tamil Nadu komponiert. die Themen bleiben traditionell. Die charismatische Darstellung der Sujets und die detaillierte Verzierung von Ornamenten, Kleidungsstücken und Architektur machen die Bilder jedoch eigenartig. Die Gemälde von C. Kondiah Raju und seine Schüleranhänger produzieren weiterhin die modernen Versionen der Kunstform.

Tanjore Kunst | © Ashley Van Haeften / flickr

Gond Kunst

Gond Art ist eine Stammeskunstform aus Zentralindien, die vermutlich von den Gemeinden in der Gegend von Gondwana konzipiert wurde, von der heute bekannt ist, dass sie in östlichen Madhya Pradesh. Wie Warli Gemälde, Gond Kunst entstand auch durch Versuche der Stammesgemeinschaften, die Wände und den Boden zu dekorieren, die später auf Papier und Leinwände transponiert. Die traditionellen Gond-Bilder wurden von dem verstorbenen Maler J. Swaminathan in die Welt gebracht, der die Talente des siebzehnjährigen Jangarh Singh Shyam erkannte, der die Hütten von Patangarh in Madhya Pradesh dekorierte. Jangarh Singh Shyams Bilder wurden international nach seinen Ausstellungen in Tokio und Paris gefeiert. Die Pigmente sind organisch extrahiert und die Gemälde sind leicht zu erkennen, da immer wieder Striche, Punkte und kräftige Farben verwendet werden, um Bilder zu komponieren. Die charakteristischen Motive der Gond-Kunst sind surreale Bilder, die ihren Ursprung in der Mythologie des Stammes und den Erfahrungen ihrer Interaktionen mit der Welt haben. Diesen Gemälden ist es gelungen, die Geschichte eines Volkes festzuhalten, das sich oft auf mündliche Quellen verlassen hat, um Erzählungen zu vererben.

Diese Stammeskunstformen werden weiterhin in verschiedenen Teilen des Landes und der Welt praktiziert und haben verschiedene moderne Kunst inspiriert Formen wegen ihrer Eigenheiten und Brillianz. Sie wurden mit der modernen Welt experimentiert und angepasst, da ein anderes kulturelles Szenario vorlag, in dem verschiedene technologische Fortschritte beobachtet wurden. Natürliche Farbstoffe und handgemachte Ausrüstung und Papier sind Raritäten, doch die kulturellen Resonanzen bleiben erhalten. Diese kulturellen Formen werden durch die hegemonialeren Kulturen und die Beschlagnahmung von Land aus den Gemeinschaften, die diese Kunstformen praktizieren, größeren Herausforderungen ausgesetzt, was zu ihrer Verdrängung und dem Bruch des Zusammenhalts unter ihren Menschen führt.

Gond Art | © Jean-Pierre Dalbéra / flickr