10 Dinge, Die Sie Über Mark Rothko Wissen Sollten
Rothko glaubte fest an die Wichtigkeit der persönlichen Erfahrung von Individuen für seine Bilder. In seiner Vision würde der Betrachter in eine tiefe, meditative Beziehung vor der Leinwand hineingezogen, ein Zustand emotionaler Verletzlichkeit und totaler Empfänglichkeit, analog zu Rothkos Gefühlszustand, als er die Leinwand in seinem Atelier malte.
Mark Rothko in sein Studio, 1964, Cibachrome | © Hans Namuth / Mit freundlicher Genehmigung der National Portrait Gallery, USA
Der Meister der Farbe war nicht "an Farbe interessiert"
Seit seinem frühen Tod wurde Rothkos Pionier der Farbfeldbewegung von vielen Kritikern als unbestreitbar bezeichnet und bahnbrechend. Für den Maler selbst war die Farbe nur ein Vehikel für eine emotionale Reaktion, die im Betrachter hervorgerufen wurde, gestreift von jeglichem ästhetischen oder dekorativen Unterton. In einer berühmten Aussage, die seine künstlerische Praxis verkörpert, sagte Rothko: "Wenn Sie nur durch Farbbeziehungen bewegt werden, vermissen Sie den Punkt."
Rudy Burckhardt (1914-1 ), Mark Rothko, New York, 1960, Gelatine -Silberdruck | Courtesy Albright-Knox Kunstgalerie, Buffalo (begabt von Seymour H. Knox Jr.)
Die Gemälde nicht "schön" nennen
Rothkos größte Angst als Künstler war, dass seine Bilder einen dekorativen Zweck erfüllten. Immer wenn er eines privat verkaufte, untersuchte er zunächst die Reaktion des Käufers auf die Leinwand, um abzuschätzen, ob der neue Besitzer das Gemälde als Accessoire oder als Mittelstück verwenden würde. Rothkos hoch aufragende, hypnotisierende Werke sind zwar unbestreitbar schön, doch seine vorgeschriebene Art, sie zu betrachten, ist, jede ästhetische Überlegung zu leeren und sie sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne bewegend wahrzunehmen.
Mark Rothko, Ohne Titel, 1955, Öl auf Leinwand | Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos Frühwerke sind figurativ
Seine frühen Werke sind entschieden figurativ, weit entfernt von den großen abstrakten Arbeiten, für die er schließlich bekannt wurde. Untergrundszenen, Interpretationen alter Mythen, halbmenschliche Figurenstudien und pastorale Einstellungen vereinen sich in einer eklektischen Mischung aus scheinbar unzusammenhängenden Themen, bevor sie in der nächsten Phase von Rothkos Entwicklung zu verschwommenen Abstraktionen werden. Das eine Bindeglied zwischen diesen und seinen späteren Werken ist die sichtbare Vorliebe des Malers für die aufrecht-senkrechten Linien, die Körper, die nach oben gezogen sind, und die allgegenwärtigen Säulen, die Rothkos reife Werke vorwegnehmen.
Mark Rothko, Ohne Titel, 1947, Öl auf Leinwand Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Schwarz ist nie wirklich schwarz
Genauer gesagt, das von Rothko verwendete Schwarz ist eine mehrdimensionale Ebene mit dunkler Farbe, die normalerweise auf oder neben einem anderen Ton liegt, der den Rest der Farbe ausfüllt Malerei mit einer sehr subtilen Färbung. Selbst in den späten, normalerweise dunklen Arbeiten wird die schwarze Schicht von halb scheinenden Farbblitzen von unten unterbrochen, die um Luft von jenseits des ursprünglichen Eindrucks kämpfen.
Mark Rothko, Ohne Titel, 1953, Mischtechnik auf Leinwand | Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos Gemälde gehören zu den teuersten Kunstwerken aller Zeiten
Rothkos
Orange, Rot, Gelb (1961) gehört zu den fünf teuersten Gemälden der Nachkriegszeit . Bei einer Christie's New York-Auktion im Jahr 2012 erzielte sie außergewöhnliche 86,9 Millionen US-Dollar und schlug den bisherigen Rekord des Künstlers mit White Center (Gelb, Pink und Lavendel auf Rose) , der 2007 bei Sotheby's für 72,8 Millionen Dollar gekauft wurde. Um dies in einen Zusammenhang zu bringen, wurde Van Goghs Irises (1889) 1987 für nur $ 53,9 Millionen verkauft. Geld war für Rothko nie ein Antrieb
Trotz der rekordverdächtigen Preise von Seine Gemälde im heutigen Kunstbetrieb, Wohlstand und Ruhm gehörten nie zu Rothkos Prioritäten. Die sogenannte Seagram-Kommission ist ein spektakuläres Beispiel: Im Juni 1958 nahm Rothko einen Auftrag von den Besitzern des neuen Four Seasons Restaurants in New York an, um eine Reihe von Wandgemälden für das Interieur zu produzieren und die beteiligten Stars zu ergänzen im Entwurf des Restaurants, zusammen mit Mies van der Rohe und Philip Johnson.
Nachdem er anfänglich akzeptierte, was seine lukrativste Aufgabe gewesen wäre, brach Rothko den Vertrag abrupt ab, mit wenig Erklärung. Es wird vermutet, dass er dachte, dass das Projekt seine Integrität als Künstler kompromittieren würde, und seine Bilder rein dekorativ in einem luxuriösen Restaurant machen würde.
The Seagram Murals | Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Rothkos spätere Werke tendieren in Richtung Finsternis
In den späten Stadien seiner Karriere, in den 1960er Jahren, fingen Rothkos Gemälde an, in die Dunkelheit abzudriften, eine komplette Abkehr von seinem früheren Fokus auf lebhafte Leinwände, wo Farbe scheinbar nahm Zentralbühne. Dunkle Grautöne und Near-Blacks dominierten seine Palette in dem, was viele heute als Omen seines Selbstmords im Winter 1970 betrachten. Erstaunlicherweise ist sein letztes Werk eine kreischende Komposition aus Blutroten.
Mark Rothko, Nr. 7 , 1964, Mischtechnik auf Leinwand | Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Mondrian und Rothko haben mehr gemeinsam als Sie denken
Zwischen Piet Mondrian und Mark Rothko besteht eine echte, greifbare Beziehung. Ihre Arbeiten teilen eine emotionale Intensität, eine Unterströmung des rohen Gefühls, das durch die Verwendung von Form und Farbe, Struktur und Konsistenz, die beide definieren, diktiert wird. Die Gegenüberstellung der letzten Arbeiten von Rothko (1 ) und 1 (Mondrian
Victory Boogie Woogie ) in einer Ausstellung 2014/15 war unerwartet und doch perfekt vital. Piet Mondrian, Victory Boogie Woogie, 1944 & Mark Rothko, Ohne Titel, 1970 | © Gerrit Schreurs / Höflichkeit Gemeentemuseum den Haag
